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Feutre : Entre pop sixties, diy et influences indie ou le projet le plus personnel de Michaël Korchia

Franco Onweb — 2026-10-07T13:33:36Z

De Photon à Feutre, en passant par Watoo Watoo, Michaël Korchia a toujours navigué entre pop baroque, influences sixties et un esprit DIY inébranlable. Dans cette interview, il revient sur la genèse de son dernier projet, Feutre, un album qui mélange avec brio les héritages de Stereolab, Gainsbourg ou encore The Young Marble Giants. Entre anecdotes de répétitions improvisées, recherches de musiciens et réflexions sur la création musicale, il nous plonge dans son univers, où la passion prime sur les contraintes. Un voyage sonore entre Bordeaux, Manchester et Paris, où chaque note compte.

La dernière fois qu'on avait discuté, en 2017, tu faisais partie de Photon. Qu'est-ce qui s'est passé depuis ?

(Rires) Pas grand-chose, en fait, jusqu'à l'année dernière. On avait sorti un album en 2016, on avait même fait un clip, mais j'avais mis tout ça de côté pour me consacrer à d'autres projets, comme Watoo Watoo en 2018. Je voulais un groupe plus pop, plus années 60… d'où l'idée de Feutre.

Michaël Korchia

Crédit : Michaël Korchia

L'été dernier, un gars m'a contacté. Il venait de quitter un groupe dont le chanteur avait tout fait capoter juste avant la sortie du disque. Il avait vu que je cherchais un guitariste pour Feutre. Il trouvait le projet moyen, mais il adorait Photon, surtout parce qu'il était fan de The Cure. On a essayé de bosser ensemble, et on a passé une annonce pour trouver une chanteuse. En une semaine, on en a trouvé une ! Et deux jours avant la première répétition, un groupe californien de « Cow Punk », en gros de la country punk, me propose d'assurer leur première partie trois semaines plus tard… à Bordeaux ! On a répété avec la chanteuse et le guitariste, on a fait le concert, et ça s'est super bien passé. Du coup, on a trouvé un batteur, et on a décidé de continuer. On a enchaîné sept ou huit concerts.

Et après ?

La chanteuse, elle avait 32 ans, ce qui était important parce qu'elle était jeune, a fini par quitter le groupe. Pourtant, elle chantait super bien, elle avait des idées de ouf, elle gérait toute la partie graphique et elle jouait un peu des claviers. Bref, elle avait tout pour plaire… mais elle n'accrochait pas trop à notre musique. Depuis nous avons trouvé une nouvelle chanteuse pour Photon.

Comment tu es arrivé à Feutre ?

Au départ, j'étais en couple avec une chanteuse qui écrivait des textes. J'avais envie de les mettre en musique, mais en milieu 2017, elle m'a quitté. J'ai tenté de relancer le groupe : on avait six morceaux en stock. J'ai passé des annonces pour trouver une nouvelle chanteuse. À l'époque, on avait un batteur, un guitariste, et moi à la basse. Grâce aux annonces, une chanteuse, Virginie, a débarqué. On a enregistré un premier album, mais ça n'avançait pas. On a perdu un temps fou : le clavier est parti, puis le guitariste la chanteuse ne voulait plus travailler sur de nouveaux morceaux… Au bout de deux ans et demi, on avait fait du sur place. Là, j'ai fait un truc que je n'avais jamais osé avant : j'ai viré la chanteuse !

Feutre

Crédit : Michaël Korchia

Et ensuite ?

J'ai repassé une annonce, et là, Elsa, qui était une amie et qui, de plus chantait avec un pote parce m'a contactée. J'étais trop content, parce que j'adore sa voix. On a écrit deux-trois morceaux direct, et grâce à une autre annonce, on a rencontré Jérôme à la guitare. Un vrai monstre, ce gars ! Dès la première répétition, il nous a tous scotchés. On ne voulait surtout pas le perdre. Il apporte vraiment quelque chose. Tous ceux qui suivent mes groupes depuis 20 ans disent que, avec lui, le son a pris une autre dimension.

À l'écoute de ton disque, on sent toujours l'influence de Stereolab…

Paraît que ça s'entend encore, ouais (rires).

Y a aussi des références à Gainsbourg, Bardot, Birkin… cette pop française des années 60. Tu assumes ce côté indie pop fan des sixties ?

Oui, quand j'ai monté Feutre, je voulais faire de la pop baroque, très années 60. Quelque chose de très écrit, très orchestré. Mais Jérôme, le guitariste, n'est pas trop fan de ce qui est trop lissé. Par exemple, sur notre deuxième single, « Les Grands Ensembles », j'avais prévu un solo de flûte au milieu… et il a refusé ! Pour lui, c'était trop clean, trop pop. « Pas de flûte dans le rock ! ». Bref, j'ai remplacé par un solo d'orgue, mais à contrecœur. Je voulais un son Indie pop avec une touche sixties, encore plus que ce qu'on entend sur le disque.

Feutre - Les grands ensembles
par mk is watoo

https://www.youtube.com/watch?v=lJTwji3A8cs

Autre influence : The Young Marble Giants !

Ah, je les kiffe, mais je ne m'attendais pas à ce que ça s'entende sur l'album ! Je suis un énorme fan, et j'ai même sorti une compilation de Stuart Moxham, leur guitariste. C'est bizarre que tu l'aies repéré, parce que j'ai justement essayé de m'en éloigner. Après, la voix d'Elsa y est pour beaucoup. Elle, c'est une chanteuse qui vient du jazz, fan de Chico Buarque. Elle avait un duo avec un guitariste, et ils reprennaient du Biolay, du Gainsbourg… ce genre de trucs ! Elle a aussi fait récemment des reprises de Michel Legrand. Après un concert à Paris, on nous a dit : « On dirait Stereolab avec Brigitte Bardot. » Moi, je ne l'avais pas vu, mais elle a ce côté naïf dans la voix qui fait ça.

Elle a vraiment ce côté chanteuses des années 60 !

Ça l'a trop touchée que le public la compare à ces artistes !

Et puis, pour en revenir à Stereolab, ton influence principale…

Quand je compose pour Feutre, je prends une guitare ou un clavier, que je joue comme un pied avec deux doigts, d'ailleurs (rires), et les influences Stereolab sortent toutes seules. La moitié des morceaux peuvent sonner comme eux, mais ce n'est pas volontaire. En vrai, j'ai voulu traiter mes morceaux un peu comme Burgalat, avec ce côté sixties ou seventies et des accords un peu tordus… mais moins que les siens.

Essentiels
par Feutre - Topic

https://www.youtube.com/watch?v=Dp09KZqxGYg

Tu as ce côté très DIY…

J'y ai pensé récemment : je fais de la musique depuis 35 ans, et je suis entré une seule fois dans un studio… pour dire bonjour à un pote qui y était ! (Rires) Je fais tout chez moi, dans ma pièce musique. Je prends mon temps, j'ai les outils pour que ça sonne bien, et en plus, zéro contrainte financière.

C'est toujours ta marque de fabrique, ce DIY ?

Ça me va très bien, ça ne me pose aucun problème ! Bon, un jour, j'aimerais bien tester un vrai studio, juste pour voir comment ça se passe. Si on me proposait d'y enregistrer, je ne dirais pas non, mais je préférerais encore investir dans un bon mastering ou un mixeur d'ouf. J'ai l'habitude de bosser comme ça, tranquillement… Jérôme m'envoie ses pistes de guitare, et Elsa vient chanter chez moi.

Tu as gardé ce côté pop Indie des années 80, avec des influences comme Stereolab ou Felt ?

Tu sais que Feutre, en anglais, ça veut dire Felt ? C'est un jeu de mots. D'ailleurs, une copine qui connaît bien Lawrence de Felt m'a envoyé un « Smiley » quand elle a vu le nom du groupe. Peter Astor, l'ex-chanteur des Weather Prophets, qui connaît bien Lawrence, justement, quand il a écouté, il a dit : « Ça sonne très Indie pop anglais… mais avec un côté très français. »

Michaël Korchia en concert avec Pete Astor

Crédit : Michaël Korchia

Tu as réussi à faire la synthèse entre un fan de pop Indie anglaise des années 80 et la pop française !

Merci !

Quand on voit ta pochette ou tes titres, on est quand même très années 80… et ce n'est pas un reproche !

Je pense que la pochette est plus seventies que eighties. Je voulais un côté rétrofuturiste, avec une palette de couleurs que l'on utilise plus aujourd'hui. Pour les paroles, c'est surtout Elsa qui en a écrit beaucoup et qui a composé les mélodies à partir de mes pistes instrumentales … et je ne suis pas sûr qu'elle connaisse les Smiths ou Stereolab. Elle, c'est plutôt de la Bossa ou du jazz et de la chanson. .

Tu as tout fait tout seul ?

Oui, sauf les guitares et les voix. Il y a une trompette et quelques trucs d'orgue que je n'ai pas fait moi-même, mais le reste, la basse et les claviers, c'est moi. Je monte les bases avec la batterie, les claviers, ma basse, et Jérôme m'envoie ses nombreuses pistes. Et oui, je revendique ce côté DIY des années 80… et j'assume !

Place des Abesses
par Feutre - Topic

https://www.youtube.com/watch?v=2E4KaQnFDYc

Pourtant, tu es un des derniers à défendre ce côté pop Indie à l'ancienne ?

Ah bon ? (Rires) Je connais plein de gens qui ont ce côté Indie… Après, je ne suis pas fan de toute la pop Indie des années 80. Au départ, j'avais juste envie de faire de la baroque pop très sixties, avec un peu de seventies pour Gainsbourg ou Bowie. Le problème, c'est que la plupart des gens qui font ça ont une technique de folie… que moi, je n'ai pas. Y a plein de trucs que j'aimerais faire, style Nick Drake, mais je ne sais pas. Au final, je fais ce que je sais faire, avec ma technique.

Mais tu as l'esprit pour le faire !

Je vais te répondre avec une anecdote. J'ai appris récemment que Prince, que j'aime beaucoup, était un énorme fan des Cocteau Twins. Il avait dit qu'il aimait tout ce qu'il ne savait pas faire, et que comme c'était bien fait, il adorait. Moi, c'est l'inverse : j'aime les trucs que je sais faire… après les avoir écoutés mille fois. (Rires) Cependant, si je veux faire une musique de film façon Morricone ou Lalo Schifrin, là, je suis…limité !

Eté 82
par Feutre - Topic

https://www.youtube.com/watch?v=CIb5GKvu8A8

On n'a pas envie d'entendre ça, venant de toi !

(Rires) Sur le dernier album de Watoo Watoo, j'avais tenté un truc dans ce style… et ce n'était pas terrible. J'ai envoyé le morceau à un pote (Yannick Rault, le cofondateur de Photon en 2014) qui a une technique de malade, et il a tout refait. Il a ajouté des cuivres, des trompettes, un break… et là, ça sonnait vraiment comme une BO de Lalo Schifrin. Il a emmené le morceau ailleurs. Moi, je voulais faire de la pop sixties. J'y suis arrivé, avec en plus la voix d'Elsa. J'ai réussi ça sur « L'Indocile », le premier single. Après, sur le reste de l'album, on entend effectivement mes influences de Felt ou Stereolab, avec un son sixties sur la basse.

Et sur scène, ça se passe comment ?

On est généralement à trois. Sauf un concert à Manchester il y a un an, où Jérôme ne pouvait pas venir, et on a fait le set à deux, avec une bande et Elsa aux claviers. Sinon, on a un ordi qui gère la batterie et quelques claviers. Donc en live, c'est basse, guitare et voix, avec Elsa qui fait un peu de claviers.

Tu n'as pas envie d'avoir un batteur ?

Au début, non, parce que j'ai les oreilles fatiguées, et puis une batterie, c'est trop de trucs à gérer. Mais Jérôme me bassinait : « Il me faut un batteur, sinon je m'ennuie sur scène ! » Quand j'ai relancé Photon, un batteur m'a contacté en me disant qu'il kiffait mes deux groupes. Le truc cool avec lui, c'est qu'il a une batterie à moitié électronique, avec des sons acoustiques. Il peut la transporter tout seul, et il ne joue pas trop fort. Ça m'a fait réfléchir ! Je viens de passer une annonce pour trouver un batteur aussi précis. Je veux quelqu'un qui peut jouer vite… mais sans tout défoncer. (Rires) Faut juste que je le trouve.

Feutre en concert en première partie de Paul Felix

Crédit : Marion Ruszniewski

Vous avez beaucoup joué ?

Avec l'ancienne formation, pas trop, à cause des galères de musiciens. Avec la nouvelle, un peu plus : on a fait Manchester, Paris au Chair de Poule, des premières parties (Paul Felix ex-Gamine, Pete Astor ou encore Luke Haines de The Auteurs) et 5-6 dates à Bordeaux. Le 12 décembre, on sera à Paris pour les Blackbird Session.

Tes projets ?

La sortie de l'album, des concerts, des clips… On va essayer de jouer un max et de bosser sur de nouveaux morceaux. J'aimerais bien tourner un peu partout.

Feutre, c'est ton projet principal ?

C'est celui qui est le plus proche de ce que j'écoute… Disons que c'est la première fois que je me bouge pour la promo, pour « pousser » l'album. Je pense qu'il y a un potentiel — limité, OK — mais un vrai potentiel pour passer à la radio et dans la presse.

Gold mine
par Feutre - Topic

https://www.youtube.com/watch?v=ctYy_1mubjw

C'est quoi, Les Disques Maladroits ?

C'est mon label. On devait sortir un album de Watoo Watoo sur deux labels, un Américain et un Japonais en 2001, mais à cause du 11 septembre, ça n'a pas marché aux États-Unis. J'ai donc monté ce label pour le sortir en France. Et comme mon fils, à l'époque — il avait 3 ans — répétait « Je suis maladroit, je suis maladroit », j'ai trouvé ça marrant, et j'ai gardé le nom. Je m'en sers régulièrement pour sortir mes disques. Par exemple, je vais sortir un album de reprises de Watoo Watoo par différents artistes, dont Brisa Roché et un musicien de Felt.

Le mot de la fin ?

Feutre, c'est l'album qui me représente le plus. Il arrive à mixer plein d'influences que j'aime. Tu arrives à identifier les références sixties ou Indie pop, mais il ne ressemble à rien de connu. Il a sa propre identité. C'est un peu prétentieux comme phrase… surtout quand on voit les ventes qu'on va faire (rires).

https://www.facebook.com/feutre.musique/
https://feutre.bandcamp.com/album/les-grands-ensembles
https://www.instagram.com/feutre.pop/

Alas : L'art de naviguer entre rock, pop et poésie sans jamais se renier.

Franco Onweb — 2026-09-08T10:37:52Z

Musicien rennais aux multiples facettes, Alas a construit son univers en dehors des cases. Entre rock, pop et chanson, il cultive une liberté artistique rare, mêlant multi-instrumentation, textes travaillés et une touche de mélancolie. Rencontre avec un artiste qui assume ses inspirations, ses doutes et sa passion pour une musique authentique, sans compromis.

Peux-tu te présenter ?

Je suis Alas, un musicien rennais avec pas mal d'expérience. Il y a une bonne dizaine d'années, je me suis autorisé un projet purement artistique et personnel, sans but précis, avec juste l'envie de me faire plaisir. Avec le temps, cela s'est développé et c'est devenu mon projet principal.

Alas

Crédit : Stéphane Perraux

Tu viens de Rennes ?

Oui, même si je n'appartiens à aucune scène, j'ai une prédilection pour les groupes à guitare. Dès que je suis arrivé à Rennes, j'ai monté un groupe de fusion, puis un super groupe de métal : Abkahn. C'est un groupe qui a beaucoup tourné et qui a sorti 2 EPs et un album. Avant d'arriver à Rennes, j'étais Parisien, d'origine bretonne, et c'est là que j'ai formé mes premiers groupes dès l'âge de 16 ans.

Ce que l'on remarque en premier, c'est que tu arrives à mélanger la pop, le rock et la chanson !

(Rires) Cela vient de ce choix de ne pas me donner de cadre et d'aller au fil de l'inspiration. J'ai beaucoup d'inspirations, même si j'écoute principalement du rock, j'ai essayé de faire quelque chose de personnel. C'est souvent difficile à vendre ou à réaliser, mais c'est ce que je voulais faire.

Tu écris des chansons sans vouloir « rentrer dans une case ». C'est ce qui rend ton disque passionnant.

Sans vouloir être prétentieux, je dirais que faire de l'art, donc de la création, sans se soucier de ce que pensent les autres, c'est l'essence même de l'art. C'est ce que je recherchais : des morceaux qui me plaisent à moi-même. J'aime tous mes morceaux : ce sont mes créations… Il y a des morceaux que j'ai écrits quand j'étais dans d'autres groupes, d'autres que j'ai écrits seul… J'aime ces moments de magie où, sur ta guitare, apparaît une ligne mélodique qui donne naissance à une chanson.

Pourquoi Alas ?

Je cherchais un nom simple pour ce projet. À l'époque, dans mon agenda, je notais des mots. Quand je bloquais, je notais alias, je me cherchais un alias… Un jour, j'ai vu un film avec un personnage disait « alas », qui veut dire hélas en anglais. J'ai adoré ce nom, j'ai enlevé le i de Alias, et voilà. Je me suis aperçu bien après que cela voulait aussi dire les ailes en espagnol. C'est très poétique et mélancolique comme nom. Je voulais vraiment quelque chose de simple.

ALAS "L'amour piège"
par Alas

https://www.youtube.com/watch?v=nx_qrwGGfa8

Tu as été « un homme-orchestre » pendant dix ans.

J'appelle ça « un homme-groupe », qui est la traduction littérale de One Man Band. Cette liberté que je me suis offerte impliquait vraiment un travail en solo. J'ai fait beaucoup de groupes avec une démocratie interne, mais c'est parfois un frein. Comme je n'ai pas une âme de leader, je suis resté dans mon coin. Je suis aussi multi-instrumentiste : je touche un peu à tous les instruments et je me lasse un peu vite… Mon but, c'est le chant et la guitare. Et comme c'était la mode des One Man Band, j'y suis allé seul. Je suis un ancien guitariste devenu bassiste, et quand je joue de l'un de ces deux instruments, l'autre me manque, alors j'ai alterné. Depuis dix ans, j'ai un one man band un peu évolué : une batterie aux pieds avec quatre instruments (d'habitude, c'est deux ou trois), une guitare trafiquée qui me permet de faire de la basse sur les trois cordes graves, et sur le premier EP, en 2021, ça s'entend vraiment. Il y a aussi l'harmonica et le synthé.

Tu as beaucoup tourné avec ce projet ?

Oui, une centaine de dates !

Tu ne craignais pas d'être plus un spectacle ou une performance qu'un vrai concert, et que les spectateurs ne voient pas le côté musical ?

Pas tant que ça. D'abord, je suis assis. Il y a un côté performance, c'est vrai, certains spectateurs me l'ont dit, mais ça reste de la musique. Au bout d'un moment, ils ne voient plus la performance. Après le premier EP, qui avait été fait dans l'optique de tourner en 2022, j'ai commencé à faire beaucoup de dates. C'est une année qui a été charnière : j'ai vraiment « rodé » le show. Comme j'avais une douzaine de titres, c'est à ce moment-là que j'ai décidé de faire un album.

Quels ont été tes concerts les plus importants ?

J'ai surtout fait du café-concert. J'ai écumé tous les lieux dans un rayon de 300 km autour de Rennes.

En concert

Crédit : Jacky Besnard

Qu'est-ce que tu avais en tête comme influence en enregistrant cet album ?

Surtout mes chansons (rires) ! Sinon, comme je suis un gros fan des années 70, un âge d'or avant les synthés, je voulais retrouver ce son.

Tu m'as fait penser aux Violent Femmes !

(Rires) Ah bon ? J'ai un son très épuré, et comme je dois faire tous les instruments tout seul, j'essaie d'aller à l'essentiel. Je retire toutes les notes trop compliquées à la basse ou à la guitare. J'ai choisi de garder un côté simple au niveau des rythmiques ou des mélodies.

Tes textes sont très importants pour toi. Je me suis demandé si tu étais un auteur qui met des textes sur de la musique. Tes textes ont une vraie dynamique par rapport à la musique.

Mes textes viennent de la musique, et quand elle est un peu aboutie, je m'attaque au texte, et à partir de là, je m'occupe moins de la musique. J'ai un système assez simple : j'ai une idée, un thème. J'écris alors beaucoup de mots, genre quatre pages, et ensuite j'en enlève 90 %. Ensuite, il faut chanter ce texte, et à partir de là, je reprends mes mots. Souvent, je m'aperçois qu'il y a des choses superbes sur le papier mais qui ne passent pas à l'oral. Je change juste les mots qui ne passent pas, non pas avec la sonorité, mais avec un mot qui lui ressemble. Il n'y a que moi qui arrive à comprendre mes textes. Cela a un côté onirique, mais il y a souvent une différence entre le texte écrit et le texte final chanté.

Tu abordes beaucoup de choses, comme la famille ou l'amour, mais sans pour autant tomber dans la facilité.

Je suis assez exigeant avec moi-même. J'entends parfois des chansons où des facilités d'écriture gâchent un peu les titres. J'essaie d'éviter des écueils comme ne pas me répéter d'une chanson à l'autre. J'aime les rimes, mais je fais attention à ne pas trop tomber dedans.

"L'hallali" - Alas (en trio) - Live Session Juillet 2025 au studio Le Monde Perdu
par Alas

https://www.youtube.com/watch?v=rD28Sv6YIvs

Tu as une vraie recherche du mot, ce qui donne un côté très intelligent.

(Rires) J'ai un livre de chevet qui s'intitule « Petit traité de versification française » de Maurice Grammont. J'ai cherché ce livre pendant des années parce que je voulais comprendre la grammaire de la poésie. Dans ce livre, j'ai trouvé plein de réponses à mes questions, comme le fait que faire rimer amour avec toujours n'est pas une super idée. Il appelle ça des rimes banales. Un jour, en écoutant à la radio une chanson de variété française, j'ai entendu cette rime amour avec toujours (rires). Avoir ce bouquin m'a ouvert des pistes. J'ai compris pourquoi j'étais mal à l'aise avec certaines rimes.

Tes textes sont un peu… noirs !

C'est clair ! Il y a plusieurs morts dans une chanson, trois ruptures et la maladie mentale (rires). Si l'Hallali, la chanson qui ouvre l'album, pour beaucoup, c'est un texte militant, alors que c'est plutôt un texte d'un type désabusé.

Tu l'as enregistré où et avec qui, cet album ?

J'ai commencé la préproduction en solo dans mon petit local de répétition. J'ai fait les basses, les guitares et les batteries. Puis j'ai retrouvé Caterina Virgilio, de IDO Production, qui a bien aimé. Elle m'a proposé de produire l'album. J'avais rencontré les frères Moundrag, qui avaient un peu de temps libre pendant leur tournée avec Komodrag & the Mounodor, et on a fait l'album ensemble chez Romain Baousson, l'ancien batteur des Bikini Machine, qui produit beaucoup d'artistes. J'avais vraiment une envie de partage sur ce disque, et on a vraiment réussi à faire quelque chose qui me plaît. Je ne voulais aucun métronome sur le disque, pas d'Auto-Tune, peu d'édition.

Tu l'as fait assez vite ?

Oui, assez ! En tout cas, toute la base rythmique a été enregistrée en live, puis on a rajouté les guitares, voix, percus …

Crédit : Stéphane Perraux

Tu vas jouer avec Thomas Schaettel, qui est un fabuleux claviériste, et Alex Tual à la batterie ?

Oui, ce sont deux super musiciens qui ont joué avec Santa-Cruz ou les Roadrunners. Ils ont aussi fait une tournée avec Miossec. C'est vraiment une super équipe. Les Moundrag ne pouvaient pas jouer avec moi : ils avaient soixante dates en un an et demi, et je savais que je devais monter une équipe. Je suis vraiment très content de travailler avec ces deux musiciens.

Tu as surtout joué en Bretagne ?

Oui, principalement, mais j'ai aussi parcouru la France et j'ai monté une petite tournée en Belgique pour le fun.

Vous allez toujours jouer à trois ?

Non, malheureusement, on va rester pragmatiques : je vais continuer à jouer en solo en fonction des disponibilités de chacun et aussi du budget. C'est de plus en plus dur de financer un projet comme le mien, qui n'est pas très connu.

Tu vas tourner ?

Oui, j'ai vraiment envie de tourner. Je cherche des dates pour le printemps-été 2027, que ce soit en trio, en duo ou seul.

Tu vas aller où ?

Partout où je peux !

"L'énigme" - Alas (en trio) - Live Session Juillet 2025 au studio Le Monde Perdu
par Alas

https://www.youtube.com/watch?v=VU3xAV3vXHk

Et un nouveau disque ?

J'ai toujours fonctionné à l'inspiration, et là, je suis tellement occupé que je suis un peu en pause au niveau de l'écriture. Je n'ai pas encore digéré le fait d'avoir sorti un album pour penser à la suite. Je n'ai aucun deadline sur ce projet. Je ne veux pas écrire pour écrire, ça donne des chansons pas bonnes.

Tu n'as pas envie de travailler sur un spectacle plus global, avec un thème, une sorte de « concept album » ?

Cela ne m'a jamais effleuré. J'aime les concerts de rock classique où les musiciens se branchent.

Le mot de la fin !

Écoutez l'album, lisez les textes, prenez le temps, laissez-vous porter et prenez du plaisir. N'oubliez pas de venir voir Alas en concert.

Quel disque donnerais-tu à un enfant pour l'emmener vers la musique ?

Il y a un disque que j'adore pour sa puissance et sa diversité : c'est le double album de Higelin, Champagne pour tout le monde et Caviar. C'est quelque chose qui m'a marqué quand j'étais gamin. C'est vraiment un disque qui m'a marqué.

https://alas-rock-poetique.fr/
https://www.facebook.com/alas.un.homme.groupe/?locale=fr_FR
https://www.instagram.com/alas_french_indie_rock/
https://idoproductions.bandcamp.com/album/l-clat

Prisoner : Le garage rock cinématique qui fait danser les années 60

Franco Onweb — 2026-08-28T12:27:56Z

Bienvenue dans l'univers unique de Prisoner, un groupe qui marie l'énergie brute du garage rock des années 60 aux mélodies envoûtantes des musiques de films et de séries. Avec l'arrivée de la chanteuse Susanne go-go danseuse et de formation lyrique, le groupe a trouvé une nouvelle dimension. Entre influences cinématographiques, engagements politiques et une touche de classicisme, Prisoner réinvente le son vintage.

Rencontre avec Philippe Simon-Girard et Susanne Pemmerl, deux passionnés qui transforment chaque concert en une expérience dansante et mélodique pour la sortie de leur nouvel album sur le label international « Wicked Cool » de Little Steven.

Pouvez-vous vous présenter ?

Philippe Simon-Girard (guitariste) : Nous sommes le groupe Prisoner, mais au départ, nous avons commencé sous le nom The Prisoners. Comme tu le sais, il existe déjà un groupe mod anglais célèbre qui porte ce nom. À l'origine, nous réarrangions à la sauce garage des musiques de séries britanniques ou américaines des 60's/70's, comme « Amicalement vôtre », « Chapeau melon et bottes de cuir » ou « Le Prisonnier ». Notre nom vient d'ailleurs de cette série. Nous avons sorti deux albums avec ce concept. Sur le deuxième, nous avons commencé à inclure quelques-uns de nos propres titres. C'est à ce moment-là que nous avons rencontré Susie (Susanne Pemmerl, NDLR), qui est désormais notre chanteuse. Cela a totalement transformé la dynamique du groupe avec cette nouvelle voix. A l'annonce d'un concert à Paris, nous avons commencé à avoir des problèmes avec l'autre groupe The Prisoners, qui n'appréciaient pas que nous utilisions leur nom, surtout qu'ils venaient de se reformer. En réalité, c'étaient surtout leurs fans qui n'étaient pas contents !

Susanne Pemmerl : Je connais bien leur guitariste. J'étais sur scène avec lui, car je suis aussi danseuse go-go, lors d'une croisière rock organisée par Little Steven (guitariste de Bruce Springsteen et fondateur du label Wicked Cool, sur lequel sort l'album de Prisoner, NDLR). Je me suis très bien entendue avec lui, Graham Day, qui avait l'air de s'en moquer un peu.

P. : Nous avons donc raccourci notre nom en Prisoner et signé chez Wicked Cool. C'est notre premier album qui bénéficiera d'une vraie visibilité et d'une promotion. Nous avons déjà donné pas mal de petits concerts, principalement en Allemagne.

Prisoner, au centre Philippe Simon-Girard et Susanne Pemmerl

Droits réservés

Parlons de votre musique, qui s'inscrit dans la pure tradition des garage bands des années 60, avec deux éléments marquants : le trombone et la voix de Susanne, utilisée sur plusieurs morceaux comme un instrument.

P. : Absolument. Pour le trombone, il s'agit de Marcus, avec qui je joue depuis que nous avons 20 ans. Il était donc hors de question que je forme un groupe sans lui. Il s'est intégré naturellement. Comme nous nous inspirons beaucoup de musiques de séries, nous travaillons beaucoup avec des thèmes musicaux (une mélodie généralement très atmosphérique). Nous avons besoin d'instruments pour interpréter ces thèmes, et le trombone en fait partie. C'est valable aussi pour la voix de Suzanne, que nous utilisons souvent comme un instrument. L'idée d'utiliser une voix lyrique vient de la musique de « Star Trek », avec cette voix qui porte des thèmes magnifiques. Mais nous l'utilisons aussi pour des choses un peu plus rythmées, dans un style années 60's, car elle a une voix superbe et très polyvalente.

Justement, Suzanne, parle-nous de ta voix, qui est incroyable.

S. : Après mon baccalauréat, en Allemagne, car je suis allemande, j'ai déménagé à Munich et j'ai suivi une formation de chanteuse. C'était une formation complète, avec le chant, la danse et le jeu d'acteur. Ensuite, je suis partie à Kaiserslautern pour suivre une formation en opérette, théâtre et comédies musicales.

Tu as joué dans des groupes avant pour avoir une telle maîtrise ?

S. : Pas dans un groupe de rock. J'ai joué dans des orchestres avec mon violoncelle, dans des chorales… J'ai toujours adoré le rock. Quand j'étais petite, mon frère écoutait du rock des années 60. J'avais monté un groupe pendant quelques semaines à 14 ans, mais je ne me suis jamais dit : « J'aimerais faire ça. » Avec ma voix lyrique, je ne pensais pas pouvoir chanter du rock.

"La femme qui s'était faite toute seule" PRISONER (Official Music Video)
par Wicked Cool Records

https://www.youtube.com/watch?v=xqIl8dv8Ipc

P. : Ce n'est pas courant d'être chanteuse lyrique et de rejoindre un groupe comme le nôtre. En ce qui concerne les autres membres du groupe, nous avons tous joué dans plusieurs groupes, surtout les plus âgés d'entre nous. Marcus et moi avons notamment joué avec un groupe appelé « Action Packed », avec lequel nous avons pas mal tourné. On a joué aussi dans beaucoup de groupes de punk rock, de garage… Nous avons toujours évolué dans ce milieu, alors que Suzanne vient d'un univers différent.

Quelles sont vos influences ?

P. : Notre première influence, c'est le rock garage, le punk rock anglais ou américain, des groupes comme The Clash, The ruts, mais aussi The Sonics et beaucoup d'autres. Mais nous avions aussi cette passion pour les musiques de séries américaines, anglaises, et les bandes originales de films français. Lalo Schiffrin, John Barry, François de Roubaix…C'est ce mélange des deux qui a forgé notre son. Nous sommes un groupe de rock garage, mais avec des influences tirées des musiques de films et de séries.

En concert, cela doit être très dansant ?

P. : Oui, car Suzanne est go-go danseuse et la voir danser donne envie de s'agiter.

C'est donc votre troisième album qui sort sur le label de Little Steven. Comment l'avez-vous rencontré, d'autant plus que c'est la première fois qu'un groupe français signe chez lui ?

S. : En 2017, j'ai rencontré les Woggles avec Graham Day à Munich. En janvier 2025, ils m'ont proposé, d'embarquer avec eux sur la croisière de Little Steven aux Caraïbes, en tant que go-go danseuse. Je voulais absolument y aller, même si ce n'était pas payé. Il y avait plein de groupes géniaux, comme Steve Conti ou L7. J'ai discuté avec les bookers de cette tournée, qui s'occupent aussi du label. Comme je suis une grande fan de mon groupe, j'en parlais à tout le monde. Ils m'ont demandé de leur envoyer de la musique, et deux jours après l'envoi, j'ai reçu un message disant que Little Steven était intéressé. J'ai aussitôt appelé Philippe, qui était ravi (rires).

Droits réservés

Cette signature vous apporte quoi ?

P. : Une belle distribution physique et numérique à l'international. Grâce à cela, nous avons un beau vinyle et un beau CD. Et une visibilité plus internationale que franco-française.

Votre musique est très appréciée en France, et pourtant, vous êtes très peu connus. Est-ce parce que vous êtes basés à Mulhouse ?

P. : Non, je ne pense pas. C'est plutôt parce qu'au début, nous n'avons pas fait grand-chose pour nous faire connaître. C'est avec l'arrivée de Suzanne et cette signature que les choses ont pris de l'ampleur. Si tu as enfin entendu parler de nous, c'est parce qu'un attaché de presse t'a contacté, celui ne serait pas arrivé avant puisque nous n'en avions pas. Je tiens aussi à dire que notre musique n'est pas qu'une copie des 60's : nous jouons du « cinematic garage rock » (rires).

On pouvait penser qu'avec une chanteuse allemande, vous alliez chanter en anglais, mais il y en a peu.

P. : Nous nous y mettons. Sur le prochain album, il y en aura plus, d'autant que Suzanne est parfaitement bilingue. Nous allons le faire.

S. : Moi, j'aime bien chanter en français.

P. : Je trouve que le côté français lui va bien à Suzanne. Elle a un petit accent qui sonne très bien.

Qui écrit et qui compose ?

P. : Moi, j'écris les paroles et la musique.

Suzanne, es-tu d'accord avec ses textes, surtout qu'il y a parfois un côté un peu politique ?

S. : Oui, je veux que tout le monde ait le droit de manger, de boire et d'avoir un toit sur la tête.

« L'enfant qui est en moi parle à l'enfant qui est en toi » - PRISONER (Official Video)
par Wicked Cool Records

https://www.youtube.com/watch?v=kdSQIvEfznk

Dans cette musique très dansante, vous avez introduit de la politique.

P. : Disons que nous vivons dans un monde plutôt oppressant, et que les textes, mais le garage rock en lui-même aussi d'une certaine façon, sont une réaction à cette oppression.

Pourtant, dans votre style musical, les gens ont un côté plus… ludique !

P. : C'est vrai, mais cela vient de mon côté fan des Dead Kennedys, du Clash, qui ont toujours eu un côté très engagé politiquement. Cela m'a toujours parlé…

Il y a aussi des notions de musique classique dans votre musique, notamment avec la voix de Suzanne, mais aussi dans la structure de vos morceaux. Vous êtes presque des musicologues.

P. : J'ai une maîtrise en musicologie, et Suzanne aussi. Mais les procédés d'écriture sont tout de même plus proches de ceux des compositeurs de musique de films et des groupes de rock.

S. : J'ai grandi dans une famille de musiciens : mon père jouait du tuba. J'ai baigné dans le classique, l'opéra, les oratorios. Il y a quelques morceaux sur le disque qui peuvent rappeler l'opéra italien. Philippe m'a parfois demandé d'improviser en essayant de garder ce style.

N'est-ce pas l'arrivée de Suzanne qui a donné une autre dimension au groupe ?

P. : C'est sûr, mais cela n'a pas modifié le son originel du groupe. Sa voix a vraiment donné de l'ampleur et de la variété, avec ce côté parfois très pop, très scandé ou très lyrique.

Mais sa voix est un instrument de plus dans le groupe ?

P. : Oui, même si cela évolue au fil des morceaux.

Prisoner en concert

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Quelles ont été vos plus grosses dates ?

S. : Un festival à Fribourg : le Zelt-Muzik-Festival

P. : Nous avons fait plein de petits festivals en Allemagne.

Vous avez joué à Paris ?

P. : Nous devions faire la première partie des Fleshtones, mais l'un d'entre eux est tombé malade, et la date a été annulée hélas.

Votre musique est très dansante. Votre but est de faire des concerts ou carrément des soirées dansantes ?

P. : Nous voulons plutôt faire des concerts !

S. : Pour moi, je veux divertir le public. Le cadre n'a pas une grande importance.

Vous avez surtout joué en Allemagne ?

P. : Oui, nous jouons beaucoup en Allemagne. Pour un groupe basé à Mulhouse, cela semble normal, mais moi j'habite Bordeaux et Suzanne à Munich (rires).

Ce n'est pas pratique pour répéter !

P. : Non, nous nous compliquons un peu la vie (rires).

S. : Quand on m'a demandé si je voulais intégrer un groupe mulhousien, je ne voulais pas. Mais quand j'ai écouté la musique, j'ai compris que c'était très professionnel et que chacun travaillait sérieusement. Tout se mettait en place, alors j'ai accepté, car cela fonctionnait vraiment bien ensemble.

PRISONER - Chapeau melon et bottes de cuir
par PRISONER - France

https://www.youtube.com/watch?v=YKz4raKVN50

Vous n'êtes pas professionnels ?

S. : Si, nous sommes professionnels dans notre façon d'aborder la musique.

P. : Nous avons des intermittents parmi nous, mais ce n'est pas notre but.

Vous avez un tourneur, un éditeur en plus de votre producteur ?

P. : Le producteur, c'est nous ! Nous avons une licence exclusive avec Wicked Cool Records. Nous n'avons plus de tourneur et nous en cherchons un. Pour nous, cet album est un vrai nouveau départ.

Où avez-vous enregistré ce disque ?

P. : Dans la maison du batteur ! Nous l'avons transformée en studio, nous avons apporté du matériel et nous avons enregistré la plus grosse partie en juillet 2025. Nous l'avons produit nous-mêmes, même si nous avons été conseillés par des amis ingénieurs du son. Personnellement, j'adore ce côté production : les micros, la recherche du son… Je suis un vrai geek pour ça. C'est une vraie passion.

Quel va être l'évolution du groupe, maintenant que Suzanne est dans le groupe avec sa voix lyrique ?

P. : Il va y avoir quelques chansons « garage 60 » en plus. Mais Nous allons toujours garder ce côté voix lyrique, et parfois le coté scandé également. Le nouvel album est presque totalement écrit, et nous allons essayer de commencer à l'enregistrer en octobre.

Philippe Girard et Susanne Pemmerl, en concert

Droits réservés

Suzanne, vas-tu commencer à écrire des paroles ?

S. : Non, je ne crois pas ! Pour l'instant, cela « matche » tellement bien avec Philippe que cela va continuer ainsi. Il m'a laissé l'occasion de faire des choses sur certaines voix, et cela a très bien fonctionné avec ce qu'il cherchait, et cela me plaît beaucoup.

P. : C'est très facile de travailler avec Suzanne : elle est à l'écoute, au service du résultat final, et elle comprend bien ce que nous voulons faire. Nous formons un bon duo !

Pour l'international, comptez-vous aller vers plus d'allemand ou d'anglais pour les paroles ?

P. : Plus d'anglais, oui !

S. : Pas plus d'allemand, je trouve que cela ne fonctionne pas bien avec notre musique. J'aime bien l'anglais, je suis souvent allée en Angleterre quand j'étais plus jeune. J'adore l'anglais et le français.

P. : En tout cas, moi, je n'écrirai pas en allemand (rires). Je tiens à préciser que pour la sortie digitale, ils nous ont demandé de traduire trois titres en anglais, qui seront ajoutés sur les plateformes.

Quels sont vos projets ?

P. : Nous rêvons de participer à la croisière de Little Steven en avril. C'est là que Suzanne a rencontré les gens du label. Cela pourrait être possible. Nous allons essayer d'aller en Espagne, où nous sommes en contact avec un tourneur. Nous jouons en Allemagne le 12 septembre.

PRISONER - The Persuaders (Amicalement vôtre)
par PRISONER - France

https://www.youtube.com/watch?v=Mnzn2GBD2wU

S. : C'est près de chez moi, et ma famille et mes amis vont venir me voir pour la première fois : j'ai hâte !

P. : Le 11 septembre, pour la sortie de l'album, nous ferons une « Release party » mais sauvage ! Nous l'avons déjà fait une fois à Bordeaux : nous avions un jour de repos, nous sommes allés sur les quais, nous avons sorti la sono et nous avons joué comme ça. C'était génial ! Les passants se sont arrêtés, nous avons eu plein de contacts, et nous nous demandons si nous n'allons pas refaire un truc comme ça plutôt que de nous enfermer dans un club. Nous allons essayer de faire ça le 11 septembre, à Strasbourg. Nous ne demanderons rien à personne, nous nous installons et nous jouons.

Le mot de la fin !

P. : Merci beaucoup.

S. : Je voudrais dire que je ne suis pas une IA. Je fais les voix au parc des Expos de Munich, et beaucoup de gens pensent que je suis une IA, mais pas du tout !

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Quel disque donneriez-vous à un enfant pour l'emmener vers la musique ?

S. : Pour moi, ce seraient les Beatles avec « Help », parce que c'est mon premier album. Je suis une immense fan de ce groupe, je suis allée à Liverpool pour voir où ils avaient commencé.

P. : Pour moi, le disque qui a changé ma vie ado, c'est le premier album du Clash ! Cela m'a vraiment marqué.

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Boris Maurussane : « Tears of English Town » ou un voyage musical entre bossa nova, jazz et pop intemporelle

Franco Onweb — 2026-08-14T20:30:31Z

Quatre ans après « Social Kaléidoscope », Boris Maurussane revient avec « Tears of English Town », un album aussi éclectique qu'ambitieux. Entre influences brésiliennes, jazz, musique classique et pop solaire, le musicien signe un disque libre, humain et résolument ouvert sur le monde. Rencontre avec un songwriter qui refuse les cases et cultive l'art de la surprise, entre studios parisiens et scènes électrisées.

Tu as sorti ton premier album en 2022, « Social Kaléidoscope ». Que s'est-il passé depuis ce premier album ?

Il s'est écoulé quatre ans, déjà ! Il y a eu une série de concerts, à la fois en duo avec le claviériste Jan Stumke et avec un groupe spécialement constitué pour les lives, avec la section rythmique de Dorian Pimpernel. Ça a été une belle série de concerts, assez électrique. Assez rapidement, j'ai commencé à composer la suite. Il y a eu beaucoup de temps consacré aux arrangements, et surtout à trouver les musiciens, car il y en a beaucoup sur le disque. J'ai commencé à composer à l'été 2022. J'ai passé du temps à réécouter mes maquettes, puis on a commencé à enregistrer en 2023 avec la section rythmique. Les arrangements et l'enregistrement ont duré deux ans, jusqu'au mixage, qui s'est fait début 2025. On l'a sorti en juin dernier.

Ce premier album t'a fait franchir une grosse étape, puisque des gens comme Bertrand Burgalat ont salué ton travail, et des artistes comme Olivier Rocabois ou Olivier Popincourt parlent de toi comme d'un « frère d'armes ».

Bien sûr, c'est ce qui m'a donné envie de continuer à composer : il y a eu une sorte de validation, ou d'écho, de la part de gens que j'admire énormément, comme Bertrand ou les deux Olivier. Ça a été très important pour moi.

Boris Maurussane

Crédit : Yanis Roger

À l'écoute du disque, on remarque, encore une fois, ton talent de mélodiste, mais aussi que tu as ouvert ta musique à de nouvelles influences, comme la bossa nova, et que tu as un côté assez acoustique qui respire le soleil ou la plage.

Ma musique a évolué entre les deux disques, surtout grâce aux choses que j'ai écoutées. On peut effectivement parler de la bossa nova, mais aussi de toute la musique populaire brésilienne, qui n'est pas forcément de la bossa, comme Chico Buarque dans les années 70. Il y a des arrangements incroyables qui m'ont marqué. Il y a aussi l'influence des musiques orchestrales du début du XX^e siècle et de la fin du XIX^e, comme « Images pour orchestre » de Debussy, ou des disques de Herbie Hancock, comme “The Prisoner”, “Speak like a child” ou “Crossings”. J'ai essayé de mettre en application ce mélange de timbres. Quant au côté solaire, c'est normal avec les cuivres, qui apportent une chaleur particulière.

J'ai l'impression que ce côté acoustique est vraiment important pour toi. Ça amène un côté « humain » à une époque où il y a beaucoup d'ordinateurs qui remplacent les instruments. Il y a plusieurs morceaux instrumentaux qui mettent en avant tout ça, comme si tu n'aimais pas chanter, comme si ce n'était pas obligatoire…

(Rires) Tu m'avais déjà dit ça pour le premier album, et là, il y en a encore plus. Ce n'est pas que je n'aime pas chanter, mais je ne considère pas que ce soit une obligation. Je ne me sens pas obligé de chanter sur une musique si je n'ai pas d'idée de paroles ou de mélodie vocale. Si je n'ai pas d'inspiration pour le chant, alors je ne chante pas, et ça reste comme ça. J'aime chanter, mais ça me demande plus de travail que le reste. Je me considère comme un songwriter qui chante ses chansons. Ça nécessite un travail plus poussé, souvent avec quelqu'un pour m'aider… Mais j'ai pris un certain plaisir à le faire. Comme le disque a été mixé par Stéphane Laporte, la voix est traitée comme un instrument parmi d'autres. Elle est un personnage qui se balade, plutôt qu'au premier plan.

Tu te considères comme un songwriter, donc ?

Oui, bien sûr (rires).

Boris Maurussane - Triangle
par hotpumarecords

https://www.youtube.com/watch?v=FSfcdE8EwEg

Il y a un instrument que l'on entend beaucoup sur le disque, qui est ton instrument de base, même si ce n'est pas toi qui en joues beaucoup sur l'album : ce sont les claviers.

Effectivement, même si ce n'est pas mon instrument principal, j'ai laissé plus de place aux claviers. Mon instrument de base, c'est la guitare, mais pour la première fois, j'ai composé quelques morceaux aux claviers. Je n'ai pas hésité à supprimer des guitares pour laisser plus de place aux claviers. C'est Jan Stumke qui en joue la plupart du temps. Il est très bon, et on se connaît bien maintenant. C'est vrai qu'aujourd'hui, je compose plus avec l'idée du piano que de la guitare. J'ai même transposé des parties de piano sur des guitares.

Jan Stumke est devenu ton principal collaborateur musical ?

Oh oui, on avait déjà joué des morceaux ensemble en concert quand on faisait nos duos. Il y a une vraie relation de confiance entre nous.

Tu l'as fait où, et avec qui, ce disque ?

Il y a beaucoup de monde sur le disque : 36 musiciens au total. On a d'abord enregistré les parties rythmiques avec Jean Thévenin à la batterie et Antoine Brunet à la basse. On les a fait jouer ensemble, ce qui a donné ce côté humain. Les structures étaient déjà là. Ensuite, on a enregistré les pianos avec Jan, puis les cuivres, qui ont été enregistrés dans le même studio que la section rythmique. J'ai tellement aimé ce studio que j'ai fini par y enregistrer les voix. Les sections de cordes ont été enregistrées par Olivier Bostvironnois au studio L'Entresol. On a tout fait en une journée !

Tu as mis combien de temps à le réaliser ?

Si je laisse de côté la composition… J'ai commencé à enregistrer début 2023, et j'ai fini fin 2024. Ensuite, on a commencé les mixages début 2025, et ça a été terminé en juin 2025. On a masterisé en janvier 2026.

Boris Maurussane à Venise en février 2023

Crédit : Ed Oeillet

Beaucoup de chanteurs pop français se réclament de l'Angleterre, alors que toi, ton disque n'a rien d'anglais. Il pourrait se situer comme venant de la côte Ouest américaine, avec des influences des Beach Boys, notamment sur « Christians from the Lake », où l'on retrouve ce côté plage et surf.

J'aime beaucoup les Beach Boys, ou Love, et tous les groupes de cette époque.

Ta musique n'a rien de française !

Peut-être dans la musique classique, avec Debussy, qui est une de mes grandes influences, ou Ravel, mais pas dans la chanson française, c'est sûr ! Pourtant, c'est en écoutant l'album « La Question » de Françoise Hardy, notamment les arrangements que j'ai adorés, que j'ai découvert une musicienne brésilienne. C'était un album composé par une musicienne brésilienne, Tuca, dont j'ai adoré le travail. Il y avait une façon d'écrire qui m'a beaucoup inspiré pour certaines de mes musiques. Flop, un musicien que j'apprécie beaucoup (et à l'origine du label Les disques Bien) m'a fait connaître 3 de ses albums (je ne sais pas grand chose d'autre d'elle, mais ça ne m'a pas empêché d'avoir le toupet de faire un morceau qui porte son nom !)

Tu as appelé ton album « Tears of English Town ». Est-ce un pied de nez de ta part, puisque ton disque n'est pas anglais ?

Oui, il y a un côté délocalisé, et ce titre est un peu étrange : je n'ai pas donné de nom précis, puisque cette « English Town », on ne sait pas où elle est. Et en plus, la chanson qui porte ce titre est sous influence brésilienne. Ça m'a amusé de l'appeler comme ça. Je voulais créer ce sentiment où l'on n'est pas vraiment à sa place, un peu délocalisé.

Ton disque est très varié et très libre, avec un côté pop-world music. Tu n'es pas dans une « case » précise. Tu fais de la pop, mais en allant chercher du côté des Beatles, de Chico Buarque ou de Debussy. C'est pour ça que tu es libre : tu n'es pas coincé dans une « chapelle ». Tu peux aller où tu veux maintenant !

Merci, mais c'est vrai que j'essaie de ne pas m'enfermer. Quand je me suis lancé dans ce projet, j'avais un peu peur. J'avais de superbes musiciens avec moi, et parfois je me posais la question : « Où est-ce que je vais ? » C'était un saut dans le vide, mais je voulais aller au-delà.

Boris Maurussane - The season's ending
par hotpumarecords

https://www.youtube.com/watch?v=afooFlEbuik&t=4s

C'était une volonté de ta part de mélanger tout ça ?

Oui, certaines choses étaient une volonté de ma part, mais je n'avais pas encore trouvé comment le faire. Sur certains morceaux, je me disais : « Ça va sonner comme ça. » C'est comme ça que ça se passe. Je ne me dis pas au début : « Ça va sonner comme ça », et hop, j'écris le morceau. J'ai fait des tentatives en partant de musiques brésiliennes des années 70, mais ça a donné des résultats vains.

À la fin de ton disque, tu as mis un peu de psychédélisme, qui reste un de tes amours.

Oh oui, j'adore le premier Pink Floyd, avec Syd Barrett. Ce n'était pas une volonté évidente de ma part, mais ça s'est fait comme ça. J'aime bien l'idée. Si un musicien découvre de nouvelles influences, il vaut mieux les mettre au début du disque pour qu'elles aient plus d'impact, même si la tracklist ne s'est pas construite autour de ça. Il y a ce morceau « Decipher », qui est très long – plus de 8 minutes –, et je voulais respecter la tradition de mettre les chansons longues à la fin. C'est un morceau qui fait un peu la synthèse de ce qu'il y a dans le disque, donc c'est normal qu'il soit à la fin. L'autre morceau, « Going Down », est plus psyché à fond et avait un côté plus crépusculaire.

Triangle
par Boris Maurussane - Topic

https://www.youtube.com/watch?v=SH_xoyY5NXQ

Comment cela va-t-il se passer sur scène ?

C'est une question que je me suis beaucoup posée ! La solution a été de mettre l'accent sur la notion de groupe et de mettre en avant des éléments comme la section rythmique. On a beaucoup poussé les morceaux dans ce sens. C'est de la pop avec des rythmes syncopés. On est quatre sur la majeure partie du set, et je laisse la place aux musiciens d'improviser, sans essayer de reproduire le disque, tout en gardant les mélodies. Le premier concert s'est très bien passé, et on va continuer dans ce sens pour les scènes où on sera à quatre ou cinq, en groupe.

Quel est ton rapport au jazz ? Parce que sur ce disque, on retrouve aussi une influence jazz, avec une certaine approche, notamment celle de Miles Davis.

Je l'aime beaucoup (rires), et j'aime beaucoup cette musique. Je l'ai d'abord découverte à travers la musique West Coast, dont je suis fan. Les Byrds, par exemple, étaient de grands fans de Coltrane. Quand je l'ai découvert, notamment « A Love Supreme », ça a été un choc. Pour en revenir à Miles Davis, j'adore les disques qu'il a faits avec Gil Evans, tout ce côté avec des flûtes, sa manière de composer… Je peux dire que ça m'a directement influencé. Je reviens régulièrement vers le jazz, et même de plus en plus… Je découvre tout le temps de nouvelles choses, et j'adore ça. J'y pioche sans cesse de nouvelles idées.

Tu sors ton disque chez Hot Puma, le label belge qui se bat depuis longtemps pour sortir de très belles choses.

J'ai découvert le label en 2013, et quand j'ai cherché un label pour sortir mon premier album, j'ai écrit à Sergio (Taronna, le fondateur de Hot Puma, NDLR), et tout de suite, il a dit oui. C'est quelqu'un de très efficace et qui respecte beaucoup les artistes. J'adore la grande majorité des artistes de ce label, comme Discover.

Quels sont tes projets ?

J'aimerais vraiment continuer à vivre ce disque sur scène, que ce soit en groupe ou en duo avec Jan. J'ai des morceaux de côté pour un nouvel album, mais d'abord, la scène. Mais je voudrais enregistrer le prochain disque plus rapidement.

En concert à Paris en 2026

Crédit : Vincent Arquilière

On peut imaginer des scènes où tu serais avec Dorian Pimpernel, Olivier Rocabois ou Olivier Popincourt ?

Ce serait formidable ! On a déjà partagé des scènes individuellement, mais jamais tous ensemble. J'adorerais !

Quand on sort un disque comme celui-là, est-ce que tu sais où tu veux aller ?

J'ai des morceaux d'avance et des idées en tête, mais je peux me laisser porter. Peut-être que ce sera plus organique, avec des musiciens qui jouent ensemble. J'ai encore en tête quelques morceaux très arrangés, mais après on verra… Pour l'instant, je veux surtout faire des concerts et voir ce que ça donne.

Tu vas probablement aller de plus en plus sur scène en duo avec Jan Stumke, qui est magnifique.

Ça fonctionne bien, et c'est aussi pour des raisons pratiques : c'est plus facile pour trouver des concerts !

Le mot de la fin ?

« Promenons-nous dans les bois », ce que je fais le plus possible !

https://borismaurussane.bandcamp.com/album/tears-of-english-town
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Olli & The London Radio Pop Orchestra – Life on Rennes : Une odyssée pop entre baroque, électronique et mélancolie.

Franco Onweb — 2026-06-19T13:52:27Z

Ollivier Leroy, musicien aux mille visages – du classique à la world music en passant par le baroque pop – signe avec Life on Rennes un album audacieux et intime. Entre voix de tête envoûtante, arrangements sophistiqués et influences éclectiques (Radiohead, Max Richter, Bowie), ce projet est le fruit d'un parcours unique, nourri par des années de collaborations et d'expérimentations. Enregistré aux mythiques Air Studios de Londres, mêlant chœur d'adolescents, cordes et électroniques, cet album pop, à la fois accessible et profond, célèbre Rennes, ville qui l'a vu grandir artistiquement. Une œuvre où la mélancolie le dispute à l'énergie, et où chaque note résonne comme une déclaration d'amour à la musique, sans frontières.

Tu as un parcours musical très impressionnant, notamment en tant que musicien classique, mais tu t'es aussi intéressé à la world music, en explorant des musiques indiennes. Pourquoi faire maintenant un album de pop aussi puissant ?

Ce n'est pas tout à fait mon premier album de pop, même si c'est un disque qui résume assez bien mon travail, notamment par rapport à mes influences occidentales et à la voix de tête. Ce travail d'utilisation de la voix de tête a commencé en 2010 avec le projet Contreo, avec lequel j'avais joué aux Vieilles Charrues et aux Tombées de la Nuit avec l'ensemble de Jean-Philippe Goude. C'était déjà un projet pop baroque. En 2015, j'ai créé le Secret Church Orchestra, dont l'idée était de mêler ma voix de tête à de la musique électronique et classique, avec un chœur d'enfants. À l'époque, j'avais travaillé avec la Maîtrise de Bretagne, un chœur de 24 enfants. C'était une envie, au niveau vocal, de travailler dans ce style, et ces projets ont eu quelques retombées en me permettant de jouer dans des lieux et de m'initier à l'écriture, notamment dans le domaine de la musique classique.

Ollivier Leroy

Crédit : Olivier Gamas

C'est vrai que quand est arrivé le projet Olli & The London Radio Pop Orchestra, il a mis beaucoup de temps à mûrir, car je voulais faire quelque chose d'original en utilisant ma voix de tête et ma voix grave au service d'une pop que j'aimais. Je ne me suis pas posé beaucoup de questions artistiques : j'ai simplement voulu utiliser ma voix de tête, assez haute, pour rendre le projet baroque, sans que cela ne me bloque au niveau du public. J'avais ces deux aspects en moi, et quand j'ai créé ce projet, l'idée était d'utiliser un chœur de grands, ce qu'on appelle le Chœur Alpha, composé de jeunes filles âgées de 15 à 20 ans. Ce sont des adolescents qui ont des références pop, ce qui n'était pas le cas auparavant, car ils étaient plus jeunes et avaient beaucoup moins d'expérience.

J'ai retravaillé avec une violoncelliste, Miwa Rosso, qui était devenue, entre-temps, première violoncelliste à l'orchestre de la BBC. Cela m'a amené à ce disque en pensant à Max Richter ou à mes influences comme Radiohead. J'ai un peu synthétisé mon parcours vocal et musical, notamment avec le Bollywood Orchestra en Inde, avec des cordes… Cela a permis de faire mûrir ce projet.

À l'écoute de ton disque, on découvre de la pop, au premier sens du terme, mais aussi ta voix et la maîtrise de la mélodie. On pense à Radiohead, mais aussi, pour la France, à Bertrand Burgalat pour ce mélange de pop et de classique, et tu m'as fait penser à Brian Eno.

Je l'aime beaucoup, c'est un artiste précurseur qui a exploré plein de choses… Ensuite, quand on parle de pop, pour moi, ce n'est pas péjoratif : c'est le fait de travailler sur des mélodies assez simples que les gens peuvent retenir. Mais les arrangements sont plus sophistiqués. Pour moi, la mélodie et l'harmonie restent essentielles dans mon travail. Là, j'ai chanté avec une voix plus basse pour que cela fasse un peu moins baroque, moins lyrique, mais en utilisant précisément la mélodie. C'était une volonté de ma part. Tout ce que j'ai essayé de faire sur ce disque a été fait de manière un peu inconsciente. J'avais la volonté de travailler avec des Anglais : il y a une reprise des Smiths, par exemple, et ces influences m'ont nourri depuis longtemps.

OLLI & THE LONDON RADIO POP ORCHESTRA - Life on Rennes (clip officiel)
par Arfolk

https://www.youtube.com/watch?v=fBCjbwBQrGs

Ton disque s'appelle Life On Rennes, et je trouve que cela décrit bien la ville, à l'automne, avec de la pluie, mais aussi de la mélancolie.

Vouloir appeler ce projet Life on Rennes venait du fait que je suis artiste à Rennes depuis trente ans, avec mes études de musicologie à Rennes 2. C'était une ville très « rock », et moi, j'ai commencé à faire de la musique du monde mélangée avec du rock. J'étais un peu à part, je ne rentrais pas dans le moule. J'ai eu plus d'écho en Bretagne, en dehors de Rennes, que dans la ville elle-même, mais je voulais vraiment, avec ce titre, montrer mon appartenance à cette ville qui m'a inspiré et où j'ai beaucoup écrit. C'est une ville chaleureuse, mais peut-être mélancolique. Il y a aussi un clin d'œil à Life on Mars de Bowie, que j'aime beaucoup (rires). L'idée d'avoir sa propre planète en tant qu'artiste. Je voulais concrétiser ma vie d'artiste à Rennes et dire que je suis là ! J'ai créé ici tous mes projets !

Il y a pourtant peu d'influences bretonnes !

Il n'y en a pas ! J'ai travaillé avec des musiciens bretons. Le label a une identité très bretonne, mais ils voulaient travailler avec des artistes basés en Bretagne qui ne font pas forcément de la musique bretonne. Je suis basé à Rennes, une ville qui a une grosse culture musicale. Si j'ai pu faire le Bollywood Orchestra en 2004, c'est grâce au festival Les Tombées de la Nuit et des Vieilles Charrues. Ensuite, j'ai eu une résidence avec les Vieilles Charrues… J'ai aussi joué aux Transmusicales en 2001 et 2005 ! J'ai un vrai lien de musicien avec Rennes, qui m'a permis de faire beaucoup de choses !

Crédit : Délia Vogt

L'album a été enregistré aux Air Studios. C'était important pour toi d'aller à Londres, dans ce studio, pour faire le disque ?

Oui, déjà, je connaissais ce studio de renom depuis de nombreuses années. Beaucoup de musiques de films que j'aime ont été enregistrées là-bas. Comme j'aime beaucoup Max Richter, je savais qu'il y avait beaucoup travaillé et que, sur le plan acoustique, c'est incroyable. En fait, quand j'ai voulu retravailler avec Miwa Rosso, avec qui j'avais adoré collaborer, je l'ai appelée et elle m'a dit qu'elle travaillait depuis quelques années avec l'orchestre de la BBC. Elle pouvait m'organiser des séances de cordes et de cuivres avec des musiciens français basés à Londres. Elle m'a proposé Air Studios. Comme elle connaissait bien l'endroit, on l'a fait là-bas. Les Anglais, il suffit de les contacter et ça va vite. C'est un studio un peu cher, mais comme on travaillait sur partitions, cela s'est fait rapidement en deux jours.

Il y a quelque chose d'incroyable sur ce disque : ta voix ! On pense à Klaus Nomi, mais tu as enregistré ta voix avec Thierry Sintoni, de Rise Fall & the Decade, avec qui tu joues dans Martin Dupont. Tu as d'ailleurs enregistré ta voix dans le studio de Martin Dupont. C'était important que ce soit lui qui t'enregistre ?

Souvent, j'enregistre les voix chez moi, tout seul. Là, je voulais avoir quelqu'un à mes côtés. Thierry Sintoni m'a proposé de le faire dans le studio d'Alain Séghir, de Martin Dupont, là où nous répétons. C'est un lieu très mat, et il m'a dit de venir avec mon micro. On se connaît très bien avec Thierry, c'est un ami et un très bon musicien : il connaît bien la technique ! Je suis venu plusieurs fois faire des prises, et cela s'est fait de manière familiale. Je ne voulais pas aller dans un studio où l'on paie à l'heure… Je voulais avoir quelqu'un pour m'accompagner techniquement, surtout pour les niveaux. La voix reste mon point fort depuis que j'ai 17 ans. J'ai beaucoup travaillé et enseigné la voix. Cependant, dans ce disque, je n'ai pas forcé ma voix, j'ai essayé de la poser et d'utiliser des tonalités plus basses pour que la voix de tête et la voix grave puissent se marier.

EPK Olli & The London Radio Pop Orchestra
par OLLI & THE LONDON RADIO POP ORCHESTRA

https://www.youtube.com/watch?v=Y9-VIhkhoOk

Ton disque est dans quelle case chez les disquaires : classique, pop… ?

En Allemagne, ils l'ont mis en « Jazz et autres », en France, c'est en musique pop ! Pas en classique, car le public du classique s'attend à quelque chose de précis, et je ne suis pas dedans.

Il y a une reprise des Smiths, que tu as modernisée et à laquelle tu apportes vraiment quelque chose.

Le premier vinyle que j'ai eu, c'est Hatful of Hollow des Smiths. Par rapport à ce titre, There Is a Light That Never Goes Out, il faisait un peu écho à Life on Rennes. Elles ont ce côté nostalgique, de faire la fête… Je voulais des arrangements un peu baroques à l'anglaise… C'était aussi une manière de montrer des références passées…

There is a Light That Never Goes Out (Cover The Smiths demo version)
par OLLI & THE LONDON RADIO POP ORCHESTRA

https://www.youtube.com/watch?v=CTBGOu16kG0

Tu as mis aussi des instrumentaux ?

Oui, comme je suis très influencé par des gens comme Max Richter, qui font des instrumentaux, j'avais ces morceaux avec lesquels la voix ne marchait pas. Ça me plaisait bien d'avoir des instrumentaux, puisque je travaille aussi sur de la musique à l'image !

Ils parlent de quoi, tes textes ?

Je ne suis pas un féru d'anglais, mais j'ai voulu utiliser un Anglais qui me correspond, avec des images. Ça parle aussi d'un artiste, des doutes qu'il peut avoir, du désespoir… Ce n'est pas très positif (rires) ! Mais c'était plutôt l'utilisation des mots ou d'images.

Tu n'aurais pas pu le faire en français ? Est-ce parce que tu craignais de ne pas pouvoir écrire des textes en français « pop » avec ta musique ?

Quand on chante en français, généralement les voix sont « moyennes », mais cela se compense par un côté très littéraire. On a une culture de la littérature qui nous oblige à avoir un niveau d'écriture très élevé. Les Anglais sont assez loin de ça, ce n'est pas essentiel pour eux. Il faut que cela sonne, qu'il y ait des images, et moi, qui ne suis pas vraiment auteur, cela m'arrange, notamment parce que chanter avec une voix de tête en français, ce n'est pas terrible. J'ai appris à chanter avec Purcell, et donc, pour moi, c'était naturel de chanter en anglais. En français, j'aurais été bloqué par la syntaxe, ce genre de choses… Et en plus, je n'ai pas vraiment une culture des chansons françaises (sourire).

Crédit : Olivier Gamas

Tu dois beaucoup aimer Neil Hannon, de The Divine Comedy. C'est presque un « frère d'armes » pour toi !

On me le dit, mais je le connais mal. Quand je l'ai écouté, j'ai trouvé des similitudes avec moi.

Cet album a été produit, en partie pour les cordes, par Rupert Coulson, et mixé par Steve Osborne, des références !

Aux Air Studios, quand tu fais des sessions, tu as le choix entre différents producteurs. J'ai pris Rupert Coulson parce que je savais qu'il avait travaillé avec Max Richter. Je lui ai demandé. Pour le mixage, je me suis tourné vers Steve Osborne, qui est à Bath, près des studios de Real World, et que j'avais rencontré au moment du Bollywood Orchestra. J'ai pas mal travaillé avec lui, et je lui ai envoyé les bandes. Comme il est très doué, j'étais assez confiant. Il a pris le temps, mais c'est parfaitement réussi.

Tu aurais pu le mixer toi-même ? Tu sais le faire !

J'aime bien collaborer avec des gens pour avoir une oreille extérieure. Il a travaillé avec beaucoup d'artistes pop et il a un sens très développé pour simplifier les choses, pour garder les espaces… Comme je savais ce que je voulais entendre et que je lui avais donné des références, je savais qu'il allait respecter mon travail. Je l'admire beaucoup. C'est quelqu'un qui a travaillé avec les plus grands. C'est ça que j'aime en Angleterre : ce sont des gens qui sont dans le sud du pays. Ils ont tous leur petit studio, et si ça leur plaît, ils le font ! Ils ne sont pas hautains et sont très accessibles. Ils travaillent avec qui ils veulent. Ce sont des gens qui travaillent beaucoup, sans horaires fixes, et ils veulent juste que ce soit bien. Je peux mixer tout ce qui n'est pas de moi (rires), mais pour moi, j'ai du mal !

Olli & The London Radio Pop Orchestra - Valse noire
par Arfolk

https://www.youtube.com/watch?v=sDArzvab4yU

À quoi cela va ressembler sur scène ?

Pour les Vieilles Charrues et l'Opéra de Rennes, ce sera assez proche du disque, avec quelques réarrangements. Ce sera tout l'album, sauf l'instrumental. Il y aura un quatuor à cordes, dont deux musiciens qui ont travaillé sur l'album, un pianiste, un bassiste qui jouera des basses acoustiques, électriques et Moog, un guitariste qui fera de l'électrique, mais aussi de l'acoustique, et il y aura le chœur Alpha de la Maitrise de Bretagne. On sera 24 sur scène. Ensuite, j'ai commencé à travailler sur des versions duo, avec le pianiste Erwan Raguenes et moi aux claviers, en ajoutant des machines. C'est plus intimiste, mais cela marche bien. C'est pour des concerts en 2027, où parfois on sera en trio ou en duo, avec le chœur d'enfants en plus. C'est un live assez modulable !

Tu pourrais faire des remix ?

Oui, je suis très ouvert à ce genre de choses. J'ai fait des remix pour les autres.

Tu t'es beaucoup mis au service des autres. Est-ce que cet album ne serait pas le disque où tu as mis toutes tes influences, tes envies… ?
Oui, c'est ça ! C'est vraiment, artistiquement, un album où j'ai réuni toutes mes influences, comme Radiohead, et surtout, j'ai essayé d'être moi-même. C'est un album qui me rassemble vraiment !

Crédit : Délia Vogt

Le mot de la fin ?

J'aimerais bien que ce projet ait une vie longue en live. J'ai l'impression que ce projet peut vraiment toucher les gens.

Quel disque donnerais-tu à un enfant pour l'emmener vers la musique ?

Le disque qui m'a beaucoup touché, c'est Mustt Mustt (Real World Gold) de Nusrat Fateh Ali Khan. C'est un disque de world music, mais qui fait bien le pont entre l'Orient et l'Occident. Sinon, mon fils aimait beaucoup Space Oddity de Bowie. Pour moi, si je conseille un disque, c'est plus pour ouvrir une fenêtre sur le monde !

https://www.facebook.com/people/Olli-The-London-Radio-Pop-Orchestra/61581067060522/

https://www.instagram.com/olli_and_tlrpo/

Dimi Déro : Du punk aveyronnais aux scènes australiennes, la vie rock d'un musicien nomade

Franco Onweb — 2026-06-12T15:14:13Z

De l'Aveyron à l'Australie, en passant par Decazeville et Paris, Dimi Déro a traversé les époques et les styles avec la même passion : le rock. Batteur autodidacte, multi-instrumentiste et infatigable voyageur musical, il a joué avec nombre de légendes internationales, surtout du rock australien ou du punk/new wave français. Entre anecdotes savoureuses, rencontres improbables et réflexions sur la musique, il raconte un parcours où l'underground le dispute à l'aventure, et où chaque scène est une nouvelle histoire.

Photo Annie Bossuet

Ça a commencé comment, la musique ?

Ça a commencé avec un copain de collège dont la cousine sortait avec un type qui avait une dizaine d'années de plus que nous. C'était un vrai rockeur, avec les pattes et tout… Ils nous ont bien aimés, et on allait chez eux écouter des disques. À l'époque, j'étais en Aveyron, et on écoutait les Stooges ou le MC5. On avait quinze ou seize ans, et quand ils allaient à un concert, ils nous emmenaient dans leur vieille Mercedes. Comme ça, on a pu voir les Lords of the New Church, Johnny Thunders ou encore Chris Spedding… C'était super, parce que c'étaient vraiment des grands frères. Un jour, en rentrant justement du concert des Lords of the New Church au Pied, près d'Auch, ils nous ont dit qu'ils montaient un groupe et qu'ils voulaient savoir si nous étions tentés. À la base, mon copain devait jouer de la batterie et moi chanter. J'avais juste appris un peu de guitare classique. Mon pote était tellement nul derrière la batterie qu'on a inversé les rôles. Et je suis devenu (apprenti) batteur comme ça.

Droits réservés

Ton premier groupe important, c'est les Chatterbox !

Avec ce premier groupe, Mody Dick, on a fait juste quelques concerts, mais avec les Chatterbox de Decazeville, ça a été plus sérieux. Je passais beaucoup de temps à Decazeville, même si je vivais toujours à Rodez. On répétait beaucoup et au fil des ans nous avons commencé à faire des concerts intéressants ci et là.

Il y avait qui dans le groupe ?

Rems Jaguar au chant, le Cooke à la basse, Speedy à la guitare – c'est lui qui composait – et Baba guitariste rythmique.

C'était ton premier groupe sérieux ?

Tout est relatif (rires). On a fait un 45 tours en plusieurs années d'existence, et c'est moi qui l'ai autoproduit (rires).

Pourquoi tu penses que le rock a autant marché à Decazeville ?

(Silence) Je ne sais pas trop… C'était un bassin minier, et je pense qu'une contreculture comme ça avait du sens dans ce coin. Il y avait une idée de rock engagé politiquement, de rock prolétaire…

SPANISH BANANA by BURN IN HELL
par Hamish Marr

https://www.youtube.com/watch?v=wAmy1ZT1RWM

C'est quoi, tes influences ?

Dans ma famille, on écoutait on écoutait beaucoup de musique classique (je suis prénommé Dimitri pour Dimitri Chostakovitch !), de la chanson française, comme Ferré et Jacques Brel etc. Mais ces années année de jeune ado adoptés par des plus grands m'ont définitivement plongé dans le rock. Mais c'est vaste : ça peut aller de Hurt Me, l'album acoustique de Johnny Thunders à Motörhead avec son énergie !

Tu fais quoi après ?

Dans un premier temps, je suis parti à Toulouse. Les Chatterbox étaient basés là-bas, tout en continuant. Mais là, j'ai commencé à faire d'autres groupes, dont « Human Juke Box » avec Lo-Spider, un groupe de reprises. J'ai aussi eu un duo, « Ghost Train », avec qui on a fait des trucs avec Nikki Sudden.

Les Chatterbox à Decazeville, Dimi Déro à gauche

Crédit : Kamila Fratczak, collection personnelle de Cooke

Tu vas faire ensuite des chroniques à Rock'n & Folk ?

Tout fait sens quelque part (rires) ! Quand j'ai commencé à faire ce 45 tours avec Nikki Sudden et Freddy Lynx, j'ai fait quelques morceaux sur le nouvel album de Nikki. Freddy a apporté le disque à Philippe Manœuvre en lui demandant de le chroniquer. Il n'avait personne pour ce genre de musique. Comme j'avais déjà participé à des fanzines, Freddy m'a proposé à Manœuvre qui m'a appelé pour me proposer de le faire. Et c'est parti comme ça !

Tu es multi-instrumentiste : tu joues de la batterie, de la guitare, tu chantes et tu joues de la basse.

Je fais aussi de la scie musicale et du thérémine. En fait, très vite, j'ai eu envie de composer. Depuis 1991, je compose et chante.

Quand tu arrives à Paris, tu crées le Dimi Déro Inc, et tu commences à jouer avec les Groovers, où il y avait Bratch, Éric Fostinelli, tous deux aussi des Dum Dum Boys, et Serge Ceccanti.

Au début du groupe, j'étais deuxième guitariste parce qu'ils avaient déjà un batteur. Je connaissais Bratch, que j'avais interviewé à Decazeville pour un fanzine qui faisait un spécial Dum Dum Boys. Un pote en commun nous a rapprochés à Paris, et c'était parti ! Et en juillet cette année nous enregistrons un truc ensemble…

Les Groovers, à gauche Bratch, Dimi au centre et Serge Ceccanti à droite

Crédit : Delphine Ciampi

Ça a été un groupe important pour toi ?

Oui, on a beaucoup joué. C'était plus pop que les Inc, et franchement, on s'est bien régalés pendant de nombreuses années !

Bon, parlons de l'Australie ! C'est le pays où tu es le plus attaché. Tu as joué avec beaucoup de groupes australiens en Europe, tu y es allé, et on peut considérer que tu es le plus français des musiciens australiens !

Eh oui ! J'ai commencé par écouter des disques. J'étais dans le monde des fanzines. Dès que j'ai écouté New Christs et que je les ai vus en concert, j'ai accroché. Ensuite, les Died Pretty, Kim Salmon, et surtout les Beasts of Bourbon… j'ai adhéré.

Tu as beaucoup été là-bas, tu as beaucoup joué avec eux : tu n'as jamais pensé t'y installer ?

Si, mais c'était trop compliqué. C'est bien quand tu as moins de 26 ans ; après, il faut justifier de beaucoup de choses : un test de langue, un contrat de travail…

Smoked Salmon - Hell in a Handbasket
par CHEERSQUAD

https://www.youtube.com/watch?v=--brVXMw56o

Avant de plonger dans le rock australien, tu auras une grande idole : Johnny Thunders !

C'est le premier artiste dont j'ai collectionné les disques. J'en ai au moins 70 (rires) ! J'ai beaucoup essayé de copier sa façon de chanter à mes débuts, heureusement pas sa façon de vivre (rires).

Quand plonges-tu dans le rock australien ?

Le chapitre déclencheur s'ouvre avec une soirée avec Patrick Fretin, le guitariste de Wok, un groupe toulousain. On enregistrait le deuxième album des Inc, et on était tous les deux des fans de Rowland S. Howard. On a décidé de faire un 45 tours de reprises de ses titres, chacun une face avec nos groupes respectifs. On se retrouve sur un forum de discussion Yahoo dédié aux fans de Rowland S. Howard. Et là, plein de gens nous contactent en nous proposant des titres. On s'est dit qu'on allait lui faire une compilation hommage. D'autant qu'il était encore vivant à l'époque. On l'a fait, et parmi les groupes qui ont participé, il y avait plein de groupes australiens, dont certains avec qui j'ai joué plus tard. C'est comme ça que j'ai commencé à me lier d'amitié avec ces gens-là. Un de ces groupes, les Drones (devenus Tropical Fuck Storm), voulaient venir tourner en France. J'ai trouvé quelques dates, mais pendant qu'ils étaient là, ils ont remporté les Australian Music Awards. Quand ils sont rentrés, ils avaient gagné en notoriété. Ils avaient une grosse tournée, et ils nous ont proposé d'assurer la première partie. Et voilà, c'était parti. On était en 2006, mais j'y suis allé sept fois depuis.

Dimi Déro avec Delphine Ciampi à gauche, Kid Congo au centre et Kim Salmon à droite

Crédit : Doug Galbraith

Tu as rencontré toute la scène australienne ?

Oui, j'avais déjà rencontré Rob Younger à Decazeville, mais c'est là que j'ai rencontré Kim Salmon, avec qui j'avais correspondu par lettres à l'époque (rires). Mais oui, avec les Inc puis avec Tex Napalm nous avons beaucoup joué et rencontré beaucoup de monde.

Pourquoi ils sont aussi forts ?

Je n'en sais rien (silence). Ils ont un côté insulaire, avec de grands espaces, et ça s'entend dans leur musique. Ils ont toujours un accord mineur qui arrive au bon moment, ce genre de choses… Eux-mêmes ne comprennent pas ce qu'on leur trouve. Ce sont aussi, et surtout, de grands groupes de scène ! Ils ne s'excusent jamais d'être sur scène. Ils sont là, et ils sont bien là. Ils ne font aucune concession : tu acceptes ou pas, mais ils sont là !

Tu vas devenir à ce moment-là le batteur des groupes australiens en France et en Europe.

Il y a une petite communauté de groupes australiens qui viennent en France, avec le festival de Binic notamment. Comme je connaissais pas mal de groupes, c'était moins cher pour eux de venir à deux et de me prendre à la batterie, et Vinz, mon complice, à la basse. Comme ça, ils peuvent venir à deux avec leurs guitares. J'en ai beaucoup fait comme ça.

thee JOHNNY CASINO SYNDICAT - On your way on down - Live in Rennes France
par Johnny Casino

https://www.youtube.com/watch?v=rAz0zrzWVm8

Vinz, qui est le bassiste avec qui tu joues le plus !

Oui, en plus c'est devenu mon beau-frère. Il joue dans The Nots, notamment.

Tu as joué derrière beaucoup de monde ?

Rob Younger, Kim Salmon, Johnny Casino, Penny Ikinger, Warren Ellis, Brian Henry Hooper, Spencer P. Jones, Ron Peno, Mick Harvey… J'ai fait pas mal de trucs (rires). Là, ce sont les plus connus, mais il y a une liste impressionnante de groupes moins connus. C'est hallucinant pour un mec qui vient de l'Aveyron et qui écoutait leurs disques de se retrouver à jouer avec ces gens-là.

Tu es un immense batteur, et en plus, c'est presque un spectacle de te voir jouer !

Merci (rires) ! Je suis complètement autodidacte. Ma belle-mère m'a offert il y a quelques années trois cours de batterie, et je me suis retrouvé devant un mec qui m'a trouvé nul (rires). Il me disait qu'il fallait que j'apprenne les partitions de batterie (rires). J'avais trois cours, je suis allé à deux. Ça m'a brisé le cœur de me voir aussi mauvais, mais j'ai un copain qui m'a dit : « Tu t'en fous ! Lui, il donne ses cours depuis le premier étage du magasin de batterie de Perpignan, et toi, tu parcours le monde entier en jouant. » Bref, j'ai arrêté les cours, mais j'ai réussi à monter mon propre système de partitions musicales.

DIMI DERO INC & GARETH LIDDIARD - The Low Road (Beasts of Bourbon)
par Jabi Haspi

https://www.youtube.com/watch?v=emstDNuh9Ys&t=1s

Quand les Australiens arrivent, vous répétez un peu ?

Ça dépend. Johnny Casino ne veut plus répéter (rires). Il nous envoie, à Vinz et à moi, les nouveaux morceaux, et si on a le temps, on les répète « à la balance » (rires). Avec Kim, c'est plus complexe : je répète avant, tout seul. Pour sa prochaine tournée à la rentrée, il a accepté une répétition, pas plus… Un day off coûte cher, et donc il faut partir tout de suite sur la route. Il faut nourrir et loger quatre ou cinq personnes, c'est un gouffre financier. Si on ne prend pas le temps de répéter beaucoup, c'est surtout par souci économique.

Tu es surtout un batteur qui s'adapte à tous les styles musicaux !

Je trouve ça chouette ! Ça permet de se nourrir de toutes les musiques. Ça me permet de progresser, et ça me plaît. Par exemple, quand je joue avec Charles de Goal, j'arrive à passer des choses que je ne faisais pas avant. Quand tu joues toujours la même chose, tu ne progresses plus. Je ne m'ennuie pas en redevenant un éternel débutant.

Dimi Déro, Johnny Casino et Vinz Guilly

Crédit : Juxe Areta Goni

Tu as joué aussi avec Demi Mondaine !

Je déjà jouais de la scie musicale et des instruments bizarres. C'était avec un groupe australien, les Burning Hells, avec qui j'ai fait trois albums. À l'époque, je faisais DJ à la Feline, le bar rock de Paris. C'est là que j'ai rencontré Béa, qui avait ce groupe et qui n'avait ponctuellement plus de batteur. Je l'ai remplacé, puis nous avons créé un duo entre théâtre et musique et aussi fait de la musique pour des pièces de théâtre.

Tu joues avec des groupes en France, notamment Charles de Goal, ce groupe de cold wave française des années 80 qui s'est reformé il y a peu. C'est étonnant pour toi, qui es un batteur rock ?

Oui et non. J'ai grandi dans le punk. J'aime les textes en français bien écrits. J'ai beaucoup écouté des groupes comme Oberkampf… Quand j'ai joué avec Joe Hell (ex-chanteur d'Oberkampf, NDLR), j'aimais bien ces textes. Quand on m'a proposé de jouer dans Charles de Goal, je n'avais pas trop d'idées sur la question. Vinz a rejoint le groupe avant moi. Je suis donc allé les voir en concert, et là, c'était superbe : c'est un vrai groupe de rock avec des textes un peu froids et colériques. C'est un groupe de rock, avec des machines et des synthés, certes, mais un sacré groupe de rock ! Encore plus maintenant que Vinz et moi sommes là ! On a l'habitude de jouer dans des projets rock. C'est le public qui le dit, pas nous, et puis j'adore Patrick (Blain, chanteur de Charles de Goal, NDLR) et toute l'équipe. Patrick a 72 ans, et il a tout mon respect pour son parcours.

CHARLES DE GOAL, EPK 2025. Legendary French band led by Patrick BLAIN. Post-punk/synth wave/rock
par Dimi Dero

https://www.youtube.com/watch?v=R1RYBCUBZrw

La rythmique a beaucoup changé le groupe !

Oh oui, c'est rock, mais c'est surtout quatre mecs sur scène qui jouent avec le sourire. Les claviers resteront un peu froids, et c'est tant mieux. Il n'y en a pas beaucoup, des claviers « eighties », dans les groupes australiens. C'est loin de mon parcours et de ce qu'un certain public attend de moi, mais j'ai toujours eu ce genre de choses en moi.

C'est un groupe qui a un vrai public ?

On ne fait pas beaucoup de concerts, mais à chaque fois, c'est rempli, surtout en Allemagne, où on est suivi par la scène gothique. C'est une dizaine de concerts par an, et à chaque fois, il y a du monde.

Autre groupe avec lequel tu joues, c'est Henry !

Depuis que je suis à Perpignan – ça fait sept ou huit ans –, j'avais un copain qui jouait avec Henry, qui était le libraire de LA librairie de Perpignan. Mon pote m'a fait écouter, et c'était un peu barré, avec de l'accordéon et de très beaux textes en français. Ça avait un côté Père Ubu, que j'adore ! Ils m'ont appelé quand ils ont voulu étoffer le son du groupe après le premier album « solo » d'Henry. C'était un quatuor qui n'a pas fonctionné. On s'est retrouvé à deux, et on a essayé de faire un truc : moi à la batterie et instruments un peu… bizarres (rires) ! Henry, guitare et chant et de très beaux textes !

Henry

Crédit : Dimi Dero et Dimoné

Ça fait un peu psyché, parfois ?

Henry est un peu barré ! Il est conscient, et il est soigné, pour un petit pet au casque. Le disque est très produit, alors que maintenant, c'est plus foutraque. Je lui ai fait mettre de la fuzz sur sa guitare folk, par exemple. Alors psyché peut-être mais surtout folk détraqué indus fuzz à textes !

Ce ne serait pas ton projet « arty » ?

Pourquoi pas ? Je pense que ce serait intéressant de développer cette idée, et on va aller vers ça.

Tu joues dans combien de groupes ?

Moins qu'avant ! Quand j'étais à Paris, je répétais avec sept groupes à un moment ! Aujourd'hui, j'ai Henry, Charles de Goal – même si on joue peu –, je suis le batteur de Kim Salmon – qui joue peu dans nos contrées aussi. Et je joue avec Johnny Casino…

RON S PENO "Life To Go (Landsakes)" (Binic 2015)
par livedtap

https://www.youtube.com/watch?v=MNK-14MQitc&t=1s

Tu joues combien de fois par an ?

Ça dépend des années ! Je dirais entre 40 et 50 concerts par an. Par exemple, à la rentrée, je vais jouer avec Kim, et on va faire une vingtaine de dates. Attention, c'est moi qui m'occupe pas mal du booking, et franchement, c'est compliqué : ce ne sont que des groupes de niche, et donc difficiles à vendre dans le climat culturel actuel ! Il y a des fidèles, mais ils sont peu nombreux. C'est compliqué en France si tu n'es pas dans une scène soutenue !

Mais tu es un musicien européen ?

Oui, parce que je joue avec les Australiens et Charles de Goal. J'adore voyager, quitter la France, et c'est une bonne façon de le faire. Tu rencontres des gens, notamment parce que tu es logé chez l'habitant. On ne fait pas du tourisme, mais tu es dans la vraie vie des gens. Tu fais souvent de superbes rencontres, et ça, j'adore !

Tu as aussi fait un peu de musique à l'image ?

C'est vrai. Au début, j'étais un peu allergique au numérique, mais pour envoyer de la musique en Australie, j'étais un peu obligé. Donc j'ai fait une formation sur Logic Pro, et celle qui était proposée était celle de la musique à l'image. C'était bien pour apprendre. J'ai fait de la musique de documentaire, et j'aimerais en faire plus !

Droits réservés

Tu sais sur combien de disques tu as joué ?

Non (rires), et je ne les ai pas tous, en plus (rires) ! Ce n'est pas énorme, une quarantaine, je pense. J'ai beaucoup joué sur scène avec des groupes où je n'étais pas sur le disque.

Tu t'es beaucoup mis au service des autres. À quand un 5^e disque de Dimi Déro ?

Un projet tout seul, être sur le devant de la scène avec guitare et chant… j'ai peur de me brûler les ailes. Quand je l'ai fait avec les Inc, tout le monde s'en foutait peu ou prou, à part ma mère et Alain Feydri , qui nous aimaient beaucoup. C'était génial en Australie par contre, où le nom circulait. Accompagner les autres, c'est plus satisfaisant et moins fatigant. Souvent, je porte les projets, et chanter en plus, c'est vraiment fatigant (rires).

Tu pourrais faire un disque avec plein de guests !

(Rires) Parfois je me chauffe et je fais des maquettes. Je dois avoir sept ou huit morceaux. Ça fait des années que je prépare un album et que je retarde. Personne ne m'attend, mais je ne sais pas quand. Il y aura les copains australiens, c'est sûr : j'ai les connexions ! Je me dis qu'il faudrait que j'aille en Australie pour le faire. Ça me titille quand des copains ou ma compagne me le disent. Ça peut aller vite, mais pour l'instant, ce n'est pas à l'ordre du jour.

Tex Napalm & Dimi Dero - Feed Me (official promo from Partly Animals album 2013)
par badsville666

https://www.youtube.com/watch?v=f8gjoxPz4Ds&t=1s

On parle de Vinz, le bassiste avec qui tu joues ?

C'est un super bassiste ! On a toujours eu au moins un projet ensemble depuis 2001, quand il a rejoint les Inc, et on est super à l'aise ensemble. On a une grande habitude de jouer ensemble : on a grandi et progressé ensemble ! C'est le musicien avec qui je joue le plus souvent.

Il penserait quoi, le gamin de l'Aveyron qui partait répéter à Decazeville, s'il voyait le Dimi Déro d'aujourd'hui ?

Il serait content, je pense ! Je suis resté fidèle à mon rêve. Ça m'a plu d'être sur scène, et je voulais voir Kim Salmon et consorts sur scène : maintenant, je joue avec eux ! J'ai explosé mes rêves, je suis allé bien plus loin que je ne l'imaginais !

Tu n'as jamais pensé jouer avec des gens de la variété ou des artistes plus installés ?

(Silence) Je l'ai fait une fois, avec Yan Pechin et Chloé Mons, mais c'était un remplacement de dernière minute. En fait, je suis sous les radars. J'appartiens à une scène très underground, et en plus, je ne sais pas tout faire. Je fais bien ce que je sais faire, mais il y a des styles que je maîtrise peu ou mal. Pourtant, ce serait bien au niveau des cachets (rires).

Loene Carmen - Live in Nîmes - 23/04/2006
par interzone84

https://www.youtube.com/watch?v=zDCaDoEMFGA

Le mot de la fin !

Merci pour l'interview !

Quel disque donnerais-tu à un enfant pour l'amener vers la musique ?

Pascal Comelade, qui a un côté très enfantin mais avec plusieurs degrés de lecture. Sinon, les premiers enregistrements de blues de Robert Johnson : ça reste dans le bon ordre.

https://www.facebook.com/dimi.dero

Crédit : Emmanuelle Margarita

Les Spiders : le rock marseillais des années 80 revient en force

Franco Onweb — 2026-05-28T10:00:25Z

Phil Spider (Phil Pace), Pat Spider (Patrick Matteis), Dany Spider (Daniel Sani) et Claude Spider (Claude Barles) : quatre musiciens, une ville, Marseille, et une époque où le rock résonnait dans chaque local de répétition. Nés de la rencontre de vieux complices du collège et de la scène underground marseillaise, Les Spiders ont marqué les années 80 par leur énergie brute, leurs reprises endiablées et leurs compositions percutantes. Entre le studio Clubland, les concerts mythiques au Maybe Blues ou à L'Arsenal des Galères, et une alchimie musicale nourrie par des influences allant des Beatles à Bowie en passant par le Velvet Underground, le groupe a laissé une empreinte indélébile.

Aujourd'hui, avec la sortie de Glass Onion (reprise des Beatles) et Tell M^e Baby Why (composition de Phil Pace), enregistrés à la fin des années 80 dans leur studio marseillais, Les Spiders reviennent sur le devant de la scène. Une résurgence qui laisse présager de nouveaux projets, peut-être même un album… À suivre.

Qui sont les Spiders ?

Phil : Pat, Dany et moi, on se connaissait déjà depuis le collège. On partageait ensuite le même local de répétition. Plus tard, on a rencontré Claude.

Dany : En fait, on avait déjà quelques années d'activité derrière nous. Mon premier groupe s'appelait Syphus ; Phil y a tenu le chant à la toute fin. Puis, avec Patrick, on a monté Les Papillons Noirs, un groupe à géométrie variable : Patrick à la guitare, moi à la basse. Philippe a fait partie de l'aventure Papillons Noirs, sans avoir un rôle de musicien à part entière. Mais il était toujours là aux enregistrements, aux concerts, etc. Le dernier batteur du groupe, justement, a été Claude Barles.

The Spiders au Pop Art

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Pourquoi ce nom ?

Phil : C'est le nom du premier groupe d'Alice Cooper, et puis il y a The Spiders from Mars…

Dany : Tu sais que The Spiders from Marseille, c'était le groupe d'Henri Sanchez, avant qu'on monte ensemble Batmen ? À ne pas confondre…

Quand et comment le groupe est-il né ?

Phil : À Marseille, vers la fin des années 80. À l'époque, Marseille était une ville où il y avait beaucoup de lieux pour jouer du rock, de nombreux festivals, et la plupart des musiciens se connaissaient. Il y avait une vraie effervescence.

Dany : Après l'aventure des Papillons Noirs, Patrick et toi, vous étiez souvent sur Paris pour votre projet Clubland avec Thierry Garacino. Mais comme vous aviez aussi monté le studio d'enregistrement Clubland à Marseille, on s'y retrouvait, et parfois avec Claude pour participer à des enregistrements. Je pense que c'est à ce moment-là qu'on a eu envie de monter un répertoire de scène. J'imagine que c'est parti de là.

Phil Spider

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Qui faisait partie du groupe ?

Phil : Pat Spider (aka Pat Matteis) à la guitare, avec qui je travaille depuis le début sur tous mes albums ; Dany Spider (aka Dan Imposter ou Daniel Sani) à la basse – c'est le boss du label Disques Tchoc, basé à Marseille –, qui travaille depuis quelques années avec Jean-William Thoury, entre autres.
Claude Spider (aka Claude Barles ou Clyde), qui a une carrière solo… et moi.

Dany : … et toi, qui as une belle carrière solo également !

Quelles étaient leurs influences ?

Phil : Un éventail assez large : les Beatles, Bowie, The Stooges, le Velvet Underground, D^r Feelgood… Sur scène, le répertoire était composé de reprises et de compositions originales.

Dany : Il faut dire que Patrick a toujours été un redoutable compositeur, en français comme en anglais, une vraie machine à fabriquer des chansons. Claude et toi n'étiez pas en reste, mais je pense que la majorité des compositions étaient de Patrick. Peut-être une ou deux de Thierry Garacino, non ? Moi, à l'époque, je ne composais pas : trop fainéant, et entouré de gars trop talentueux pour que je m'y risque… une ou deux max !

Pat Spider

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Quelles ont été les grandes étapes de la carrière du groupe ?

Phil : Honnêtement, il n'y a pas eu de grandes étapes. On jouait le plus souvent possible, tout simplement, sans avoir de plans en tête. Just for fun !

Dany : Il y a eu plein de très bons moments, mais je ne vois pas d'événement plus important que les autres. C'est vrai qu'on était un groupe de scène, et tous les concerts dans les lieux actifs de Marseille à l'époque étaient supers : Le Maybe Blues, L'Arsenal des Galères, La Maison Hantée, L'Intermédiaire… Je me souviens d'un concert pour le Nouvel An au Maybe Blues. À minuit, on avait joué Midnight Hour de Wilson Pickett. J'ai aussi un super souvenir d'un enregistrement live en studio, d'une répétition au studio Clubland, en multipiste (analogique, bien sûr). J'ai réécouté les enregistrements : ça tourne à mort ! Et les enregistrements au studio de toutes les compositions qu'on jouait ensuite sur scène, c'était top aussi. Ce n'étaient pas forcément des morceaux faits pour The Spiders, mais le travail des arrangements était toujours passionnant, et certains d'entre eux étaient ensuite intégrés au répertoire.

Pourquoi sortez-vous deux titres du groupe, Glass Onion et Tell M^e Baby Why, maintenant ?

Phil : Peut-être une envie inconsciente de revenir musicalement à quelque chose de plus brut, de plus essentiel. Et lorsque nous avons retrouvé ces enregistrements, nous nous sommes dit que ce n'était pas si mal que ça, et que ça méritait une suite.

Dany : Franchement, je trouve que ces morceaux sont bien représentatifs de ce qu'on faisait à l'époque : alternance de reprises et de compositions, et avec de l'énergie ! Sur scène, c'était simplement joué à quatre (chant, guitare, basse, batterie), donc moins arrangé et plus brut, mais quand on écoute ces enregistrements, c'est bien nous !

Dany Spider

Droits réservés

Où et quand ces titres ont-ils été enregistrés ?

Phil : Dans notre propre studio 16 pistes à Marseille, au studio Clubland, fin des années 80.

Dany : Le collectif Clubland avait monté ce studio incroyable dans le quartier d'Endoume. Je ne faisais pas partie de Clubland, mais Philippe et Patrick me disaient toujours de venir enregistrer mes morceaux. J'ai pas mal participé à des enregistrements qu'ils faisaient pour eux ou pour certains autres artistes, mais pour moi, il n'y a pas grand-chose qui a été fait. Comme j'étais une fainéasse de compétition, je n'ai pas profité de ce lieu. Je ne réalisais pas que j'avais un studio pro à ma disposition ! J'étais vraiment une truffe !

Cette sortie indique-t-elle que le groupe se reforme ?

Phil : Pas impossible…

Dany : On aimerait bien rejouer ensemble, c'est sûr. On se croise souvent, mais remonter The Spiders, c'est une autre étape.

Y aura-t-il de nouvelles sorties plus tard ? Allez-vous enregistrer de nouveaux titres ?

Phil : On y pense fortement, on en a vraiment envie.

Dany : Tout est possible, en fonction des envies et des disponibilités de chacun.

Claude Spider

Droits réservés

Globalement, quels sont vos projets ?

Phil : On a chacun nos propres projets en cours. Pour ce qui est de The Spiders, l'objectif, c'est justement de mettre en place l'enregistrement d'un album.

Dany : Ce qui est sûr, c'est que si on pioche dans le répertoire de l'époque, il y a de quoi faire un double album ! Un disque de reprises, un disque de compositions !

Comment se procurer ces titres ?
Phil : Les deux titres, Glass Onion et Tell M^e Baby Why, sont disponibles sur toutes les plateformes depuis le 5 mai 2026.

Dany : Glass Onion est la reprise du morceau des Beatles du White Album ; Tell M^e Baby Why est une composition de Phil.

Le mot de la fin !

Phil : À suivre…

https://wiseband.lnk.to/THE-SPIDERS-THE-SPIDERS
https://www.facebook.com/profile.php?id=61562824738831

Double Françoise : Entre bossa, pop et synthés, l'alchimie sans limites

Franco Onweb — 2026-05-14T15:24:22Z

Après leur 45 tours avec Olivier Popincourt et une incursion remarquée dans l'univers d'Éric Rohmer, Double Françoise revient avec un double EP, « La Poursuite », sorti le 15 mai 2026. Entre home studio, collaborations amies (Benjamin Schoos, Astrobal) et explorations sonores audacieuses, le duo Elisabeth et Maxence continue de tisser sa toile pop, entre bossa nova, synthés 80's et chansons à deux voix. Rencontre avec deux musiciens qui refusent les cases et cultivent l'art de la douceur… sans renoncer à l'ambition.

La dernière fois que nous avions eu de vos nouvelles, c'était pour la sortie du 45 tours en collaboration avec Olivier Popincourt : que s'est-il passé depuis ?

Elisabeth : Nous avons travaillé, à notre rythme, sur l'écriture et l'enregistrement de l'ep dont nous parlons aujourd'hui. En parallèle, en novembre dernier, j'ai chanté les voix féminines de l'ep « Sous le signe d'Eric Rohmer », ainsi que d'autres chansons de Frédéric Lafayette, lors du concert de clôture d'un festival consacré à Rohmer, avec les garçons qui sont à l'origine de cet ep qui était sorti début juillet 2025 (Frédéric Lafayette, Alexis Campart et Arthur Allizard). Ce fut une très chouette rencontre artistique et amicale, et il se pourrait que cet épisode pilote connaisse quelques développements. Affaire à suivre.

Double Françoise

Crédit : Alistair Jutel

Vous sortez un double EP le 15 mai, « La Poursuite » : où et avec qui l'avez-vous enregistré ?

Elisabeth : Les cinq morceaux qui composent cet ep ont été enregistrés par Maxence dans notre home studio, à l'exception de quelques pistes : la voix de Benjamin Schoos, qui chante « Un après-midi à Paris » de Philippe Katerine en duo avec moi, a été enregistrée au studio PAN à Anderlecht en Belgique, la guitare d'Olivier Popincourt sur « Ce groove est sympa » a été enregistrée à Innit' Studio à Paris, et la batterie d'Astrobal sur ce même morceau a été enregistrée par ses soins, à La Bergerie. Ces trois invités sont d'excellents musiciens, mais avant tout des amis. C'est important pour nous, de ne faire de la musique qu'avec des gens que nous aimons.

À l'écoute des titres, on retrouve vos influences bossa nova, mais aussi d'autres, comme la pop. Est-ce une volonté naturelle de vous ouvrir à d'autres styles musicaux ?

Elisabeth : On a toujours aimé la pop et la chanson, et Les Bijoux (Freaksville, 2020) n'était pas un album de bossa-nova, mais déjà un album qui comportait de la bossa et de la pop.

Maxence : Oui, on nous associe à la bossa, probablement parce que nous avons commencé notre duo autour de cette musique, et puis nous avons souvent repris les classiques de ce répertoire brésilien, en concert et sur nos réseaux sociaux, mais pour nous la bossa fait plus largement partie de la pop (enfin, de notre idée de la pop). On ne s'en rend pas toujours compte nous-mêmes, mais il est vrai que des éléments de cette musique colorent souvent nos chansons : certains accords, une façon de chanter, l'utilisation de la guitare classique pour la rythmique. Tout ça contribue à nous associer à cette musique. Sur cet EP la reprise de la chanson de Katerine a clairement une couleur bossa, mais ça peut se sentir un peu aussi, moins frontalement, sur « Ce groove est sympa ».

Double Françoise - TGV (C'est inouï)
par Double Françoise

https://www.youtube.com/watch?v=8kDWv2qlZZw

Les artistes auxquels on pourrait vous comparer sur ces titres, comme Elli et Jacno (une pop du début des années 80), est-ce nouveau pour vous d'écouter ce type de musique ?

Elisabeth : Non, ce n'est pas spécialement nouveau. J'adore Lio (et Jacques Duvall !) depuis toujours, et avant ça, quand j'étais petite enfant, j'écoutais la Lio des enfants, c'est-à-dire Dorothée. C'était déjà de la pop synthétique, quelque part.

Maxence : Il y avait déjà des signes avant-coureurs sur « Les Bijoux », mais ici on s'est effectivement lâchés davantage sur les synthés et les boîtes à rythmes. En fait nous écoutions de la pop à synthés 80's depuis longtemps. À vrai dire, quand je me suis pris de passion pour la pop vers l'âge de 13-14 ans, avant les Beatles, avant les Beach Boys, j'ai d'abord eu une obsession monomaniaque pour la synth pop britannique 80's, ainsi que pour le groupe qui a influencé tout ce monde : Kraftwerk. D'ailleurs, ils ont aussi fortement influencé Jacno en France. C'est pour ça que la chanson « Allumeur » peut faire penser à son style, on a les mêmes ingrédients de base. Pour cet EP, Elisabeth a d'avantage accueilli mes amis les synthés, probablement influencée aussi par les productions de certains copains musiciens.

En studio

Crédit : Elisabeth Jutel

Ces titres sont un savant mélange entre synthés et instruments acoustiques. Allez-vous développer cette veine ?

En chœur : Nous allons la poursuivre !

Maxence : La poursuivre, oui. J'aime bien le mariage entre l'électronique et l'acoustique, et entre le joué et le programmé. Par exemple, sur « Tes samedis » (la collab avec Popincourt en 2024), j'aime la combinaison entre la batterie séquencée métronomique, et la légère instabilité du shaker joué à la main, y compris les variations infimes du son. J'ai repris cette combinaison sur « TGV (c'est inouï) ». Mais la plupart du temps même mes synthés sont joués à la main.

Sur « Ce groove est sympa », on entend Maxence chanter en duo avec Elisabeth. Est-ce que le côté « duo chanteur » va être plus développé dans vos prochains titres ?

Elisabeth : Si les chansons se prêtent au dispositif duo, oui. Mais vous savez, même quand je chante la voix lead apparemment solo, Max est toujours là avec moi ; les chœurs, souvent, c'est lui, en fait. Techniquement, il est meilleur chanteur que moi. On nous a souvent dit que nos deux voix fonctionnaient bien en duo, et comme en plus c'est très agréable à interpréter en live, on va probablement en faire d'autres, oui.

Maxence : Il faut à la fois que les paroles et la mélodie se prêtent au duo. Et l'association entre une voix féminine et une voix masculine implique des contraintes techniques (amplitude de la mélodie, tonalité…), ce qui fait que ce n'est pas forcément évident de faire ça bien.

Elisabeth Jutel au Musée d'art et d'histoire de Chollet

Crédit : Alistair Jutel

Est-ce que cela annonce un prochain album ?

En chœur : Absolument !
Elisabeth : Mais pas la peine de nous demander une date maintenant, c'est trop tôt.

Chez quel label ces titres sortent-ils ?

Elisabeth : C'est le label Freaksville, qui nous accompagne depuis plus de dix ans, qui les sort, sous forme digitale. Vous pouvez les acheter sur Bandcamp, et les écouter sur toutes les plateformes habituelles.

Allez-vous monter sur scène ?

Elisabeth : Rien n'est gravé dans le marbre à l'heure qu'il est, mais oui, on prévoit de le faire, with a little help from our friends. Pas dans l'immédiat, mais bientôt. Des discussions sont en cours.

Au Musée d'art et d'histoire de Cholet devant l'oeuvre « Le train va vite » de Felix Aublet 1937

Crédit : Alistair Jutel

Quels sont vos projets, notamment s'il y a des collaborations possibles avec d'autres artistes, comme vous l'aviez fait avec Popincourt ?

Elisabeth : Le projet, c'est bien sûr de conquérir le monde avec les présentes chansons, puis d'en enregistrer quelques autres (avec d'autres amis invités/compositeurs, mais il est trop tôt pour dévoiler des noms), de les graver sur disque avec la sortie d'un lp, et ainsi de suite. Par ailleurs, et même si c'est davantage un souhait qu'un projet, on aimerait vraiment bien gagner enfin un peu d'argent un jour. Boîtes spécialisées dans la synchro, si vous nous lisez : nous sommes JOIGNABLES.

Maxence : Je vais essayer de travailler sur un projet solo en parallèle du prochain album de Double Françoise. A voir si j'arrive à m'organiser. Suspense !
Le mot de la fin !

Besoin de douceur ? De joie ?
Envie d'émotion ? De sourire ? De tendresse ?
Écoutez La Poursuite ! Écoutez Double Françoise !

https://doublefrancoise.bandcamp.com/album/la-poursuite
https://www.facebook.com/doublefrancoise/?locale=fr_FR
https://www.instagram.com/doublefrancoise/

Telemac : Le rock psychédélique comme odyssée musicale

Franco Onweb — 2026-05-07T15:35:39Z

Montpellier, 2026. Dans un paysage musical où le rock psychédélique renaît discrètement, Telemac trace sa route avec une énergie à la fois rétro et résolument moderne. Fondé en 2018 par Vincent Ferraris, le groupe puise son inspiration dans les mythes antiques, les voyages intérieurs et une passion inébranlable pour la scène. Entre basses modulées, mélodies envoûtantes et textes poétiques, Telemac incarne une quête : celle d'un son à la fois intemporel et profondément humain.

À travers cette interview, Vincent Ferraris, fondateur et compositeur, revient sur les défis du groupe — du Covid à une greffe cardiaque —, ses influences éclectiques (des Beatles aux Limiñanas, en passant par le cinéma), et sa vision d'une musique qui se vit avant tout sur scène. Il évoque aussi les projets à venir, dont un album prévu pour 2026, et partage une anecdote poétique sur la pochette de leur EP, née d'un réveil après une opération.

Entre garage rock, psychédélisme et une touche de garage, Telemac prouve que la musique, comme l'Odyssée, est une aventure collective. Rencontre avec un groupe qui assume son héritage sans renoncer à sa singularité.

Nota Bene : interview réalisée avant le départ de Mélina, la batteuse, remplacée depuis par Valentin.

Peux-tu te présenter toi et le groupe ?

Je suis Vincent Ferraris, le fondateur du groupe Telemac, né en 2018 avec Sébastien Gattineau au chant, Mélina à la batterie et Karim à la guitare. Avant, nous avions Fanny au synthé basse avec le célèbre MS10, utilisé par des groupes comme Pink Floyd. Malheureusement, Fanny n'a pas encore été remplacée sur scène. Pour l'instant, un séquencer envoie la basse. Nous ne cherchons pas un bassiste « classique », car nous explorons le psychédélisme. Cela nous permet d'avoir des sons modulés, et les basses créent un vrai son psyché.

Telemac

Crédit : Philippe Poulénas

Il vient d'où, ce nom Telemac ?

C'est une référence à l'Odyssée. J'ai trouvé intéressant de mettre en parallèle cette histoire avec la création d'un groupe de rock : les rencontres, les trajets, les difficultés, les réussites. Et puis, c'est un nom cool, non anglo-saxon et universel : il se prononce de la même façon dans toutes les langues.

Vous avez fait quoi avant ce 5 titres ?

Nous avons d'abord été freinés par le Covid, dès le début du groupe, comme tout le monde. Ensuite, j'ai subi une intervention chirurgicale. Pourtant, nous avions bien démarré : Sébastien et moi avions écrit plusieurs titres et réalisé une maquette qui nous a permis de jouer un peu partout, pas seulement près de chez nous, comme en Normandie ou au Supersonic à Paris. Nous étions souvent sur la route. Il a fallu attendre la fin du Covid pour reprendre les concerts.

Vous écrivez comment ?

Je travaille d'abord seul. Comme je joue un peu de tous les instruments, je crée une maquette musicale. Ensuite, Sébastien pose une mélodie vocale avec du « yahourt » (des paroles improvisées). Enfin, Aurélie Menard, autrice, écrit les textes en fonction des thèmes que nous voulons aborder. Cela concerne surtout les morceaux en anglais, car nous avons aussi des titres en français, même s'ils ne figurent pas sur l'EP.

TELEMAC - Through My Love (Official Video)
par TELEMAC Music

https://www.youtube.com/watch?v=xu8TlriTYBU

Vous avez attendu longtemps avant de sortir un disque.

Oui, surtout que le public nous en demandait souvent après les concerts. Nous avons sorti trois singles depuis début 2025.

Vous jouez une musique « réjouissante », du rock un peu psyché, pas très original mais c'est super bien fait.

Nous ne faisons pas une musique révolutionnaire, et ce n'est pas notre objectif. Nous sommes des passionnés qui avons absorbé beaucoup d'influences. Nous essayons de retranscrire à notre manière ce que nous avons entendu, tant en studio que sur scène.

Quelles sont vos influences ?

Mélina est très « classic rock », même si elle écoute aussi des groupes comme Fontaines D.C. Moi, j'écoute des classiques comme les Beatles, mais aussi des groupes comme The Warlocks ou The Brian Jonestown Massacre. J'adore aussi les Limiñanas. Ils n'ont rien inventé, mais ils font des choses super bien. Le cinéma et la peinture m'influencent beaucoup : quand je compose, j'essaie de visualiser des images.

Telemac

Crédit : Philippe Poulénas

Il y a un vrai retour du « psyché » en France ?

Oui, un peu. Nous avons joué à Lorient et nous avons senti qu'il y avait un public pour ça, notamment en Bretagne ! Dans le Sud, c'est moins marqué, même si les Limiñanas ont créé une scène à Perpignan. À Montpellier, c'est plus limité, mais ça revient doucement.

La plupart des groupes de « psyché » en France se réclament aussi du « stoner ». Vous, ce n'est pas votre cas, vous êtes plus dans le côté « garage, psyché » ?

Exactement, c'est notre univers.

Vous avez sur scène des éclairages spéciaux ?

Nous allons en résidence à Victoire 2, la SMAC de Montpellier, pour travailler les lumières et les visuels. Notre musique s'y prête bien.

Mais souvent les groupes comme vous sonnent mieux sur scène que sur disque ?

Ça sonne différemment, je dirais… J'aime qu'il y ait une énergie supplémentaire, un côté humain. C'est du live, c'est normal.

Le disque risque d'être moins puissant que sur scène ?

Peut-être, mais beaucoup de groupes que j'ai découverts sur disque m'ont surpris en concert, avec plus d'énergie. Ensuite, j'ai redécouvert leurs disques sous un nouvel angle. Donc non, ça ne m'inquiète pas.

A bit Of Blue Sky (Single) - TELEMAC
par TELEMAC Music

https://www.youtube.com/watch?v=E0OZv5yQjQc

Vous l'avez fait où et avec qui votre disque ?

J'ai tout enregistré chez moi, et le mix a été réalisé au Mirador Sound Studio, près de Montpellier, où nous avons mixé 4 morceaux sur 6. Le reste, c'est moi qui l'ai mixé. Tout a été enregistré pendant le Covid, car j'ai un studio à la maison.

Ce sont des morceaux assez âgés ?

Oui, mais ils ont été finalisés en mars 2025. Les dernières retouches sont donc très récentes, surtout après les avoir testés sur scène, où nous avons modifié et amélioré des choses.

Quels ont été vos concerts les plus importants ?

Le Supersonic à Paris, qui était complet. Nous avons aussi joué dans des salles de Montpellier, comme le Rockstore, et fait une mini-tournée avec Minuit, sur trois dates dans des SMAC. Mais nos meilleurs concerts ont eu lieu dans des lieux improbables, montés par des associations. À Montpellier, il y a La Secret Place, que je soutiens personnellement en tant que bénévole. C'est difficile de maintenir ces lieux, mais les gens sont motivés et font vivre la musique.

Vous avez donc beaucoup tourné ?

Je fais de la musique pour monter sur scène. Quand je compose, j'imagine toujours ce que ça peut donner en live. C'est un moyen de partager la musique, et il faut que ce soit au point. Nous devons communiquer avec le public. C'est un tout : la composition, les instruments, le son, le visuel – j'adore le graphisme et crée moi-même les visuels. Ensuite, il y a la fabrication et les répétitions pour amener ça sur scène. C'est une construction stimulante, qui permet de rencontrer des gens à chaque étape. Je vis la musique avec une dimension sociale, collective.

En concert

Crédit : Olivier Scher

Vous êtes de Montpellier, vous êtes reconnus dans votre ville ?

Oui, même si le Covid nous a freinés. Ce n'est qu'en 2023 que nous avons repris les concerts. Maintenant, nous avons nos habitudes à Montpellier, même si notre musique n'est pas la plus représentée dans la région. Ici, c'est surtout l'électro ou le reggae, avec les plages et le soleil. Même des groupes comme OTH, les Sheriffs ou les Vierges sont passés par là, mais c'était les années 80. Aujourd'hui, la scène rock est plus limitée, contrairement à des villes comme Rennes ou Nantes.

Il va y avoir un album ?

Oui, en 2026. Nous avons déjà les titres ! Nous allons d'abord les faire vivre sur scène, puis enregistrer 12 morceaux. Nous voulions commencer par un EP pour ne pas nous lancer directement sur un long format. Comme nous sommes autoproduits, tout a un coût. Je pense aussi que la musique évolue avec le temps, et à notre niveau, il vaut mieux avancer par étapes.

Avec votre musique, vous allez pouvoir aller à l'étranger ?

Oui, notamment en Espagne, qui est proche de chez nous. Nous n'avons encore jamais joué à l'étranger. Nous partons cet automne en Angleterre pour une tournée de quelques dates !

L'EP est en anglais, vous allez chanter en français ?

Oui, l'album comportera des morceaux en français. Nous en jouons déjà sur scène. J'ai toujours eu du mal avec le français, car c'est difficile à faire sonner dans le rock. La phonétique de la langue ne s'y prête pas toujours. Heureusement, nous avons des gens qui savent écrire en français. Moi, je sais créer des riffs, composer, mais écrire un texte en français, c'est compliqué. Tout le monde ne peut pas y arriver.

Ils parlent de quoi, vos textes ?

De ruptures amoureuses, de relations humaines, de voyages, de transitions, mais ce sont surtout des états d'âme amoureux.

Crédit : Philippe Poulénas

Vous n'avez pas de textes politiques ou engagés ?

Non, même si je suis engagé à titre personnel. Pour Telemac, le côté psyché ne se prête pas à un discours trop réaliste.

Quels sont vos projets ?

Tourner, fédérer autour du développement du groupe, nous structurer pour progresser. J'ai des envies de sons et de création, mais je veux avancer sans précipitation.

Le mot de la fin ?

La pochette du disque représente un œil derrière des taches rouges et bleues. Je l'ai dessinée : c'est mon œil qui s'ouvre après mon réveil post-greffe cardiaque en 2020. On m'avait donné beaucoup de sédatifs, et j'ai fait des crises de délire. Je me souviens de me survoler, entouré d'hémoglobine. C'est une anecdote qui méritait d'être racontée.

Quel disque donnerais-tu à un enfant pour l'emmener vers la musique ?

Je choisirais Sébastien Tellier, pour son côté naïf et enfantin, qui peut parler aux plus jeunes.

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https://www.instagram.com/telemac_music/

Curlyz : Entre interview et playlist, plongez dans l'univers pop et solaire de Nice

Franco Onweb — 2026-04-23T17:31:46Z

Rencontrer Curlyz, c'est découvrir un duo niçois qui allie avec grâce des harmonies vocales envoûtantes, des mélodies pop élégantes et une passion contagieuse pour la musique. Leur premier album, What's That Chord ?, est un voyage sonore où se mêlent nostalgie, énergie et une touche méditerranéenne. Mais pour mieux comprendre leur univers, rien de tel que de plonger dans leur playlist personnelle, un véritable miroir de leurs influences éclectiques, allant du jazz de Billie Holiday au rock psychédélique de King Gizzard, en passant par la new wave de XTC ou la folk de Fiona Apple.

À travers cette interview et leur sélection musicale, Marie et Isabelle nous ouvrent les portes de leur créativité, entre complicité, liberté artistique et amour des mélodies intemporelles. Un duo à écouter sans modération, et une playlist à savourer comme une bande-son idéale pour accompagner leur univers

Pouvez-vous vous présenter ?

Curlyz : Curlyz, c'est la rencontre de deux voix qui se connaissent bien et qui ont eu envie de créer un projet à leur image. Après de longues années de complicité musicale, nous avons eu envie de prolonger l'aventure autrement : avec nos propres chansons, beaucoup d'harmonies vocales, des guitares, des mélodies et une vraie liberté artistique.

Curlyz, Marie et Isa

Droits réservés

Quels ont été vos parcours musicaux respectifs ?

M : Je suis autodidacte en musique. J'ai commencé à chanter à la fin des années 80 dans de petits projets éphémères, puis dans un groupe de reprises de girl groups au début des années 2000. En 2010 est né Bizarre Cooking Accident, dont je suis la chanteuse, avec un répertoire original d'inspiration rock 70's et dont j'écris les textes. En 2011, j'ai rencontré Isabelle en rejoignant Les Tikis et leur répertoire Northern Soul. L'aventure a duré treize ans, et Curlyz en est aujourd'hui la suite naturelle.

I : Mon parcours s'est construit au fil des rencontres. À 15 ans, j'étais choriste avec deux amies dans le groupe rock Les Mokos : mes premières scènes, et des souvenirs fondateurs. Plus tard, j'ai chanté treize ans avec Les Tikis, une aventure très importante pour moi. J'ai aussi joué de la basse avec Les Blondes, porté par Christine Lidon avec qui j'ai réalisé mes plus belles scènes, puis rejoint The Shark de Marc Piola Caselli. Aujourd'hui, je joue également en duo avec Olivier Nemejanski dans The Bratchman and the Lady qui est aussi une rencontre marquante, et je participe vocalement aux Kissing Cousins. Ce que j'aime le plus dans la musique, ce sont les aventures collectives.

XTC earn enough for us (Lyrics)
par Aaron Lanney

https://www.youtube.com/watch?v=Cn0Wpa-GWbA&list=RDCn0Wpa-GWbA&start_radio=1

Pouvez-vous nous parler de vos influences ?

M : Elles sont très larges : du jazz, de la soul, du rock… de Billie Holiday à Led Zeppelin. Les Anglais tiennent une grande place : les Kinks, Bowie, XTC, Kate Bush, Cocteau Twins, Divine Comedy ou Alt-J. J'aime aussi les artistes plus singuliers comme Fiona Apple ou King Gizzard.

I : J'aime beaucoup de styles différents. Quand je compose, je pense souvent à des sons, des harmonies ou des ambiances qui me rappellent les Revillos, X, les B-52's, les Go-Go's, Buzzcocks, XTC ou plus récemment Angel Olsen.

Pourquoi avoir monté ce nouveau projet, Curlyz ?

Curlyz : Après les Tikis, nous savions que nous avions encore envie de chanter ensemble. Plutôt que d'attendre une occasion, nous avons décidé de la créer nous-mêmes. Curlyz est né comme ça : avec l'envie de continuer, de nous faire plaisir et de proposer quelque chose de personnel.

Fast As You Can - Fiona Apple - 10/28/2017
par Radio Heartland

https://www.youtube.com/watch?v=xLLApwKg4eY&list=RDxLLApwKg4eY&start_radio=1

Comment le décririez-vous ?
Curlyz : Curlyz, c'est de la pop élégante mais vivante, travaillée sans être figée, rétro par touches mais tournée vers aujourd'hui. Des chansons mélodiques, des harmonies vocales, des guitares, et l'envie de faire une musique sincère et lumineuse.

Vous sortez un premier album, What's That Chord ? comment le présenteriez-vous ?

Curlyz : Nous voulions faire un album pop au sens large : des mélodies, des voix, des guitares. Le résultat ressemble à un patchwork sonore avec des couleurs variées selon les morceaux, mais une identité commune. Il y a du soleil, un peu de nostalgie, de l'énergie, des surprises… et surtout l'envie de faire un disque qu'on aimerait écouter nous-mêmes.

The Coral - Skeleton Key (Official HD Remastered Video)
par TheCoralVEVO

https://www.youtube.com/watch?v=yVHeDCCyLCk

Où et avec qui l'avez-vous enregistré ?

Curlyz : Une grande partie de l'album a été enregistrée dans nos home studios respectifs. Les batteries ont été réalisées à Nice, au studio « Beaucoup de Coups », chez Christian Rinaudo. Nous avons aussi eu la chance d'être entourées d'amis musiciens talentueux qui sont venus enrichir certains titres.

Quels musiciens ont joué sur cet album ?

Curlyz : Nous avons eu la chance d'être accompagnées par Gilles Eynaud de Faÿ (batteur des Play Boys et Luvely Rita) pour plusieurs batteries, Daniel Aprosio au mixage, mastering et batterie sur un titre, Olivier Nemejanski (The Bratchman) qui nous a confié la composition de Going Nowhere, Marc Galliani (guitariste des Play Boys et des Warmbabies ) dont la guitare a sublimé Misty Island, Marc Piola Caselli sur trois morceaux, ainsi que Christine Lidon aux chœurs sur Misty Island. Chacun a apporté sa sensibilité au service des chansons.

Beverley - Where The Good Times Are
par smylecouncil

https://www.youtube.com/watch?v=4zNDKxozJDw

Le disque repose en partie sur l'harmonie entre vos deux voix, ce qui rappelle beaucoup les productions des années soixante. Sont-ce toujours vos références ?

Curlyz : Oui, clairement. Nous aimons cette époque où les voix étaient de vrais instruments et où les harmonies faisaient partie intégrante des arrangements. Les Beach Boys, Crosby Stills & Nash ou certaines productions sixties restent des références. Mais il ne s'agit pas de nostalgie : on aime surtout réinterpréter cet héritage avec notre sensibilité actuelle.

Comment s'est faite la répartition des rôles au niveau des voix ?

Curlyz : Très naturellement. Nous choisissons toujours ce qui sert le mieux le morceau. Selon les tonalités, les couleurs de voix ou l'émotion recherchée, l'une prend le lead, puis l'autre. L'idée est que les voix dialoguent plutôt qu'elles ne se partagent des rôles fixes.

Cet album a un son très américain et très peu anglais. Est-ce volontaire ?

Curlyz : Absolument pas.

Bobby Come Back To Me
par The Revillos - Topic

https://www.youtube.com/watch?v=K-8oUxIJstA

Ne serait-ce pas l'album parfait pour une nuit d'été sur la Riviera ?

Curlyz : Certainement… mais il fonctionne aussi très bien un matin d'hiver. S'il peut accompagner aussi bien une route de nuit sur la côte qu'un café un jour de pluie, alors le contrat est rempli.

Qui écrit et qui compose ?

Curlyz : Nous composons toutes les deux. Marie écrit les paroles, Isabelle développe beaucoup l'aspect instrumental et les arrangements. Ensuite, tout circule entre nous : une musique inspire un texte, un texte modifie une musique. C'est un vrai ping-pong créatif.

De quoi parlent vos textes ?

M : De portraits parfois, comme le personnage un peu frimeur de Mister Man ou la femme affirmée de That Girl. De choses plus intimes aussi, comme la nostalgie dans When I Get Back. Il y a également une dimension imaginaire avec The Bride ou Misty Island, et parfois des sujets plus actuels comme l'écologie avec Harsh Crash.

Angel Olsen - Forgiven/Forgotten (Official Video)
par AngelOlsenVEVO

https://www.youtube.com/watch?v=PinTAGbIsV4

Allez-vous monter sur scène ? Si oui, comment, quand et avec quels musiciens ?

Curlyz : Pour l'instant, notre priorité reste le studio et la création. Nous aimons construire cet univers discographique tranquillement. La scène n'est pas exclue, mais elle devra se faire dans la bonne formule et au bon moment.

Quand et chez quel label sortira cet album ?

Curlyz : Une anecdote qui nous a particulièrement touchées : lors du pressage de nos CD, l'équipe de Greek Guru Records, chargée de la fabrication, a pris le temps d'écouter nos morceaux. Leur réaction a été immédiate et extrêmement enthousiaste, au point de nous proposer spontanément d'intégrer leur catalogue. Un retour aussi inattendu que flatteur, qui nous encourage et nous conforte pleinement dans la direction artistique que nous avons choisie.

Comment pourra-t-on se le procurer ?

Curlyz : L'album sortira d'abord en CD et sur les plateformes numériques en MAI 2026. Et s'il est bien accueilli, pourquoi pas quelques pressages vinyles ensuite.

Le mot de la fin ?

Curlyz : Merci à celles et ceux qui prennent encore le temps d'écouter des albums entiers, de soutenir les artistes indépendants et de rester curieux. Si nos chansons peuvent apporter un peu de plaisir ou de légèreté, alors c'est déjà beaucoup.

https://curlyz-music.bandcamp.com/album/whats-that-chord
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